Biographies artistes 2025
Biographie Nicolás Bernal-Montaña
Nicolás a mené son cursus scolaire et son apprentissage de l’alto à Medellín en Colombie, où il est né en 1998. Il remporte le 1er prix du concours de l’Université EAFIT de Medellín en 2017 et le 1er prix du concours du Festival Allegro Vivo de Horn (Autriche) en 2019. Il sera doté de plusieurs bourses : bourse d’excellence de l’Orchestre philharmonique de Medellín en 2017 et 2018 ; bourse de la Fondation Hilti (Liechtenstein) entre 2019 et 2020 ; bourse d’études de l’Académie internationale de musique du Liechtenstein et de l’Académie Tibor Varga en 2021, et de l’Académie Ravel en 2022
Depuis mars 2019, il étudie à l’Université de musique et arts du spectacle de Vienne sous la tutelle de Thomas Selditz. En outre, Nicolás a étudié durant l'année scolaire 2021-22 au CNSM de Paris sous la direction de Jean Sulem.
En tant que musicien de chambre, il est un membre actif du quatuor Baltic Essential Strings et de l'ensemble Inn.Wien. Depuis 2022, il est membre de l'ensemble Ilumina, dirigé par Jennifer Stumm. Dans le domaine orchestral, Bernal-Montaña a fait partie du Verbier Junior Festival Orchestra, de la Camerata Salzburg, de l'Orchestre national des jeunes de Colombie, et a participé à des concerts avec l'orchestre du Tonhalle de Zürich, et avec l’orchestre Symphonique de Gothenburg.
Depuis août 2023, Nicolás occupe le poste d'alto solo au sein de l'Orchestre symphonique de Carinthie, en Autriche.
Biographie Anne-Lise Branquet
Violoncelliste et Pédagogue, Anne-Lise Branquet allie avec passion ces deux volets de son activité.
Professeur de violoncelle depuis 1990, elle enseigne au conservatoire de Beauvais depuis 2002, où elle a en charge sa classe de violoncelle, ainsi que des orchestres à cordes. Sa pédagogie a exploré des chemins complémentaires, avec son investissement dans le dispositif DEMOS, depuis 2017.
Elle collabore régulièrement avec ses élèves au Festival International de Violoncelle de Beauvais.
Passionnée par le répertoire baroque, et la musique ancienne, elle pratique et enseigne également la viole de gambe.
Anne-Lise Branquet est violoncelliste à l’orchestre COLONNE depuis plus de 30 ans. Son expérience en orchestre symphonique lui permet de jouer régulièrement dans les grandes salles Parisiennes (telles que Gaveau , Pleyel ou le théâtre des Champs Élysées), ainsi que d’avoir pu jouer de nombreux ballets classiques à l’opéra Garnier et Bastille.
Partenaire de divers concours et académies ( concours de chant ENESCO, association Talents Violoncelles…), l’orchestre accompagne régulièrement de jeunes solistes en devenir.
Violoncelliste Solo de l’Orchestre Philharmonique de l’Oise, elle participe à la diffusion de la musique dans le département, et à la formation de musiciens d’orchestre.
Passionnée par la musique de chambre, elle fait partie de plusieurs ensembles dans différentes formations.
Elle joue régulièrement dans le département avec le quatuor ISARA et fait partie également du quatuor DALYA qui a joué notamment « à la folle journée » de Kanazawa au Japon.
Biographie Felipe Bueno
OFFICIER PORTUGAIS :
Felipe est né à Bauru, São Paulo, et a baigné dans l'univers musical dès son plus jeune âge. À l'âge de 6 ans, il commence à étudier à l'église locale, puis participe à des projets tels que l'orchestre symphonique municipal de Bauru et l'orchestre d'harmonie, où il commence à exceller.
À 15 ans, il entre au conservatoire de Tatuí sous la direction de Graziela Pagotto. Plus tard, lorsqu'il s'est installé à São Paulo, il a étudié avec des maîtres tels qu'Emmanuele Baldini et Cláudio Cruz, tout en participant à d'importants festivals qui ont façonné sa carrière. En 2019, il a vécu une expérience remarquable en participant au festival Ilumina, où il s'est distingué en tant qu'artiste solo 2024. Il a notamment remporté le concours pour jeunes solistes de l'Orchestre des jeunes de l'État de São Paulo et le prix Eleazar de Carvalho 2023.
Felipe a collaboré avec le Minas Gerais Philharmonic et l'OSESP, ainsi qu'avec le Aporá Quartet et le Desconcerto Duo, explorant la musique populaire brésilienne et le jazz. Il a eu le privilège de travailler avec de grands artistes tels que Hamilton de Holanda, André Mehmari, Boris Brovtsyn, Liza Ferschtman, Yura Lee, Edmundo Carneiro, Leo Rodrigues, Cristian Budu, Jennifer Stumm, Hartmut Rohde, Tai Murray, entre autres. Felipe a également eu l'honneur de se produire dans des salles de concert prestigieuses telles que le Concertgebouw d'Amsterdam et le Musikverein de Vienne.
Il étudie actuellement au MUSIK UND KUNST à Vienne, sous la direction de Boris Brovtsyn, à la recherche de nouvelles voies dans la musique et le perfectionnement de son art.
Biographie Virginie Buscail
Violoniste du Trio George Sand, Virginie Buscail s'est produite dans les plus grandes salle. Elle est actuellement violon solo de l’Orchestre Philharmonique de Radio France.
Virginie Buscail débute la musique au conservatoire de Nice dans la classe de Daniel Lagarde. Elle poursuit ses études au conservatoire national supérieur de musique de Paris où elle obtient ses premiers prix de musique de chambre et de violon dans les classes respectives de Roland Pidoux et d’Alain Moglia. Par la suite elle intègre parallèlement le cycle de perfectionnement de musique de chambre du CNSMD de Paris ainsi que la classe de perfectionnement de violon au conservatoire de Genève avec Jean-Pierre Wallez.
En musique de chambre elle s’est produite dans de nombreux festivals aux côtés de Boris Berezovsky, Franck Braley, Maurice Bourgue, Renaud Capuçon, Augustin Dumay, Barbara Hannigan, Roland Pidoux, Anne Queffélec …
Elle entre en 1996 à l’Orchestre Philharmonique de Radio France sous la direction de Marek Janowski et connaîtra les directorats de Myung-Whun Chung, Mikko Franck et aujourd’hui Jaap Van Zweden.
Depuis 2017 Virginie Buscail enseigne au CRR de Paris.
En 2024 elle commence sa collaboration avec les Toyota Master Players, musiciens issus de l’orchestre philharmonique de Vienne, avec lesquels elle est invitée à jouer en tournée dans les plus belles salles du Japon.
Elle joue actuellement un violon de Domenico Montagnana de 1729.
Biographie Edmundo Carneiro
Edmundo Carneiro est né pendant l’été 1958 à Macaubal, une petite ville du nord de l’état de São Paulo. De sa fratrie, il sera le seul héritier de la passion de son grand-père pour la musique. Bercé par les percussions de la fête de la folie des rois qui rythmait les saisons de sa petite enfance, sa vie va se construire autour d’une seule question: le rythme. Alors que ses copains de classe jouent aux billes, lui s’intéresse aux disques vinyles et s’inscrit à la fanfare pour étudier la caisse claire et le surdo.
A l’aube de ses quatorze ans, sa famille s’installe à Campinas. Il y fréquente l’orchestre de l’école et se passionne pour Hermeto Pascoal, Baden Powell et Jobim. Très vite, il comprend que derrière le son des percussions ce sont ses origines noires qu’il cherche. Qu’à cela ne tienne, il apprend à jouer des atabaques dans un tereiro de Umbanda, et plus tard, jouera dans les cérémonies de Camdomblé. Les chansons de Milton Nascimento, Lô Borges et Toninho Horta l’accompagnent jusque dans les clubs de musique où il exerce son talent avec différentes formations.
À 19 ans, il obtient le prix du meilleur instrumentiste au festival de la faculté de musique de Campinas dirigé par le grand maître Benito Juárez. Anna de Hollanda le remarque et l’invite à travailler à São Paulo.
Elle lui présente José Celso Martinez Corrêa, grand metteur en scène du théâtre Officina. Musicien reconnu au club de musique « personne », Carneiro monte son propre groupe « Extra» avec lequel il se plonge dans la composition.
Zé Edouardo Nazário, son professeur de musique, anarchiste, original, lui enseigne l’échange musical, la même philosophie qu’il développera par la suite. En 1985, il exerce ses deux arts en étant musicien et acteur dans une émission pour enfant
« Catavento » à la TV Culture de São Paulo et travaille en parallèle dans les studios d’enregistrements.
Deux ans plus tard, Edmundo Carneiro atterrit à Paris, c’est le choc avec la world musique. Pour celui qui cherchait ses racines musicales, la surprise est immense. Quasiment toutes les cultures sont là, africaine, caribéenne, martiniquaise, guadeloupéenne, maghrébine, indienne et brésilienne. La façon dont on perçoit la musique de son pays, lui ouvre l’esprit, excite sa curiosité et l’inspire. Il renouera avec son Brésil et ses artistes qui font la scène parisienne…
Ironie du sort, il faudra qu’il joue de son bérimbau, instrument emblématique de Bahia, aux confins des tropiques, sur l’île de la Réunion, dans un bar de Saint-Denis, pour rencontrer Jacques Higelin, le plus Parisien des chanteurs français. La passion entre les deux artistes fera le reste. Avec Jacques, il écumera toutes les scènes françaises et croisera les grands noms de la chanson de l’époque, Léo Ferré, Paco Ibáñez, Brigitte Fontaine, etc.
Mais c’est à Paris que Edmundo va faire ses trois écoles comme il le dit. Trois rencontres formatrices, essentielles à ses yeux ; à travers l’album qu’il enregistre avec Rosinha de Valenca, les scènes partagées avec le jazz-brésilien de Tania Maria ou la chanson « trois amis à Paris » qui symbolisera sa relation passionnelle avec Baden Powell et le saxophoniste Cacao, du temps des afro-samba. Aura-t-il enfin trouvé ses racines ?
Qu’importe, avec Edmundo Carneiro tout est passion. À son tour, il a envie d’écrire et composer pour lui. S’ensuivront
6 albums et une musique de film et, puisque la musique c’est aussi l’art des rencontres, d’autres grands artistes le rejoindront sur scène ou en studio, Arte Black, Ray Lema, de la soul, docteur Lonnié Smith et bien d’autres encore.
Aujourd’hui, c’est pour le Musée des Confluences, qu’il termine deux créations qu’il a nommées : Banzo et Rythmes & Timbres. Il prépare actuellement un album avec Andy Helmer au piano et lui aux percussions, car pour Edmundo Carneiro, la musique est un espace de liberté totale qui n’a pas de frontière, ni dans le cœur des hommes, ni dans leur souffle, ni dans leur instrument. Didier Sustrac
Biographie Tony Di Napolini
Musicien et plasticien, Tony Di Napoli fait ses études de 1989 à 1991 à l’École supérieuredes Arts Saint-Luc de Liège en Belgique, au sein de l’atelier de sculpture. Très vite, il rencontre la pierre qui devient son matériau de prédilection. Après ses études, de 1992 à 1994, il voyage au Népal, à Patan et en Italie à Pietrasanta pour y perfectionner sa technique auprès d’artisans tailleurs de pierre.
Dès 1994, parallèlement à son travail visuel, il s’intéresse aux particularités sonores de la pierre. Il débute cette recherche par la création de sculptures sonores et, par la suite, se consacre à la réalisation d’instruments de musique, les lithophones. En 2002, grâce à une bourse de la fondation SPES, il se rend au Vietnam durant 7 mois, pour y étudier les lithophones préhistoriques. Il prend conscience d’un nouveau matériau à travailler : le contenant de la musique. Le son devient un outil à la sculpture, pour être perçu non seulement avec les oreilles mais également avec le corps.
En 2007, il organise en collaboration avec Florence Fréson l’évènement Un rêve de pierre dans le cadre de « Luxembourg, Capitale Culturelle de L’Europe » (expositions, concerts, conférences autour de la pierre sonore).
Installé dans l’Ain depuis 2009, il travaille avec différentes associations : l’Ensemble Orchestral la Freta à Hauteville, Résonance Contemporaine à Bourg-en-Bresse, Le Centre Culturel de Rencontre d’Ambronay, le Collectif Ishtar, en proposant des concerts, des installations sonores, des ateliers tous publics et avec des personnes en situation de handicap.
Il collabore avec le Centre Henri Pousseur à Liège dans le cadre de commandes d’installations sonores et de compositions musicales développant des liens entre les pierres sonores et des dispositifs électroniques : Chaise résonnante, Installation sonore permanente - acquisition pour le Klankenboss (Musica Impulscentrum voor Muziek Neerpelt, Belgique / 2012), Cantate partisane (Festival Ars Musica, Bruxelles / 2018), Chant 2, Source de la Meuse, installation sonore (Fondation Ragen, Pays Bas / 2015 – acquisition du Musée de la Boverie à Liège / 2019) Il travaille également à divers projets avec Michal Libera: Majątek Exhibition Królikarnia, Xawery Dunikowski Museum of Sculpture, Varsovie (2015) ; Pigtwitct, performance avec Barbara Majewska-voix, Castel Nuovo Naples ; Museum Kesselhaus à Berlin ; Sanatorium à Sokolowsko (2019).
Depuis janvier 2019, Tony di Napoli est membre de l’Ensemble Calliopée, et en résidence au Musée d’Archéologie Nationale de Saint-Germain-en-Laye. Il y donne des ateliers autour de la pierre sonore et participe à différents projets de créations.
Biographie Laurène Durantel-Helstroffer
La contrebasse est un instrument qui s’envisage de bien des façons. Laurène Durantel est une de ces artistes qui veut jouer avec toutes les facettes de son instrument.
Après des études au Conservatoire National de Paris, elle devient membre de l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, puis contrebasse solo du même orchestre. Elle enregistre deux disques consacrés au compositeur G.Bottesini avec le pianiste Daniel Benzakoun et le violoniste Éric Lacrouts. En tant que chambriste et soliste, elle joue dans les grandes salles européennes : Wigmore Hall, Théâtre de la Ville, Hamburg Laeiszhalle… auprès de musiciens tels que le quatuor Ébène, Elias Quartet, Belcea Quartet, Valentin Erben, François Salque, Matthias Goerne, Céline Frisch, Mark Bouchkov....
Elle accorde une part centrale à la pédagogie et à la réflexion sur l’enseignement. Elle fonde « l’Académie de contrebasse » en 2003. Membre de l’ensemble Carpe Diem, professeur au CRR de Toulouse, elle est maintenant aussi membre de l’Ensemble 360 depuis sa création.
Elle joue également avec l’Ensemble Variances et le compositeur Thierry Pécou, l’Ensemble Calliopée, l’Ensemble TM+ et fait partie du quintette à cordes Mustang. Laurene Helstroffer Durantel est lauréate Juventus 2013 et reçoit en 2015 le prix Nordmetall au festival Meckenburg-Vorpommen.
Son spectacle, « Tue-Tête », a été présenté au Théâtre de la Ville de Paris.
Biographie Anne-Lise Gastaldi
Lauréate de plusieurs concours internationaux dont le concours Viotti Valsesia et le prestigieux ARD de Munich en musique de chambre, la carrière d’Anne-Lise Gastaldi a débuté à Nice sous l’impulsion d’Anne Queffélec avant de se poursuivre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris.
En plus d’être la pianiste du trio George Sand Anne-Lise forme un duo à quatre mains avec le pianiste David Saudubray. Leur programme « L’oreille de Proust », qui a donné lieu à un CD, a été choisi comme évènement commémoratif pour le centenaire de la première guerre et a donné lieu à plusieurs représentations en France et à une tournée aux Etats-Unis.
Anne-Lise Gastaldi aime imaginer et se produire dans des spectacles originaux, concevoir des disques qui marient les arts. Si elle a ainsi enregistré avec le comédien Michaël Lonsdale, s’est produite avec Benoît Poelvoorde et vient de le faire avec Clément Hervieu-Léger, elle est à l’origine de tous les spectacles avec le Trio George Sand.
Lauréate du réputé programme « Villa Médicis Hors les Murs », elle fut à l’origine, tout en en étant la pianiste, du spectacle Escales Romaines qui raconte les aventures et mésaventures de Berlioz, Gounod, Bizet, Debussy … en Italie en tant que Prix de Rome : ce spectacle a fait l’objet d’un reportage télévisé sur LCI.
Sa passion pour la littérature et Proust en particulier l’ont amené à monter, avec Pierre Ivanoff, les Journées Musicales Marcel Proust, festival consacré à l’auteur de A la recherche du temps perdu, qui ont lieu à Cabourg, les années paires et on fait l’objet de reportages sur France 2 et France 3. le livre-disques « Marcel Proust » est parunsous son impulsion. Il comprend des textes de quelques vingt personnalités (Pierre Boulez, Jacques Drillon, Benoît Duteurtre, Jean-Louis Ezine, Raphaël Enthoven, Gérard Pesson, Anne Queffélec, Didier Sandre…) et des musiques associées à l’univers proustien.
La discographie d’Anne-Lise Gastaldi comprend de nombreux titres récompensés dans Classica, Le Monde de la Musique, Diapason et Télérama. Sous le label Elstir, le dernier disque, avec le Trio George Sand, était consacré à Fanny Mendelssohn.
Professeur de pédagogie au CNSMD de Paris où elle est également professeur assistante de piano dans la classe de Florent Boffard, Anne-Lise Gastaldi est aussi professeur de piano au Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris.
Elle est, avec Valérie Haluk, à l’origine de Piano Project, puis de Univers Parallèles, recueils de pièces pour piano écrites spécifiquement pour des élèves par de grands compositeurs de notre époque dont P.Boulez, P.Eötvos, M.Jarrell, G.Kurtag, B.Mantovani, W.Rihm … (Universal Edition). La création du premier a été saluée par France 2, France Culture et Le Monde. La création du second recueil a eu lieu à la Cité de la musique à Paris avec le musée du Louvre comme partenaire principal.
Anne-Lise Gastaldi est aussi directrice artistique du festival ClassicaVal de Val d’Isère et directrice de collection aux Editions Billaudot.
Biographie Maxime Grizard
Né en 2006, Maxime débute le piano à l'âge de 7 ans et le violoncelle un an plus tard. Depuis 8 ans, il étudie le violoncelle avec Claire Oppert et le piano avec Roustem Saïtkoulov, qui ont une grande influence sur son parcours musical.
Depuis septembre 2023 il étudie au CNSMDP dans la classe d’Emmanuelle Bertrand.
Il a également bénéficié des conseils de Ivan Monighetti, Gary Hoffmann, Peter Bruns, Frans Helmerson, Steven Isserlis, Nicolas Alstaedt et Jerôme Pernoo.
Il a participé à des Académies prestigieuses tel que la Verbier Festival Academy, la Geneva International String Academy, la Ozawa Academy, ainsi qu'à des masterclasses au Liechtenstein, à Villecroze et à Kronberg.
Il reçoit le soutien du Fonds de dotation Pierre Grosz et de l’académie de musique du Liechtenstein.
Maxime est lauréat de nombreux concours, notamment « Flame » à Paris, « Jugend musiziert » en Allemagne et « Young Ludwig » à Berlin.
En 2017, il a remporté la catégorie « instrument » lors du concours télévisé « Prodiges », ce qui lui a permis d’enregistrer un album chez Warner Classics l’année suivante.
En 2022, il a représenté la France lors de la finale du Concours de l’Eurovision des Jeunes Musiciens à Montpellier.
Maxime se produit régulièrement en France et à l'étranger. Ses concerts au Festival Viotti de Vercelli en Italie et au Festival Saint-Robert en duo avec Roustem Saïtkoulov, ainsi que les concerts en trio avec Alexandra Dovgan et Ilva Eigus font partie des moments forts de son parcours.
Désireux de partager son art et sa passion pour la musique avec différents publics, Maxime joue régulièrement pour des personnes âgées en EHPAD et en milieu hospitalier mais aussi pour des jeunes dans des collèges et lycées.
Maxime joue un instrument de Stephan von Baehr (Paris, 2009) qui lui est prêté par la fondation Deutsche Stiftung Musikleben.
Biographie Guignier Gabriel
Né en 2006, Gabriel Guignier est issu d’une famille de musiciens.
Il débute le violoncelle dès l'âge de 5 ans au CRD d’Aulnay sous bois sous la formation de Véronique Alvarez.
C’est à l’âge de 15 ans qu’il entre au CNSM de Paris, admis à l’unanimité du Jury dans la classe de Jérôme Pernoo et de Cyrill Lacrouts. A ce jour, il étudie dans la classe d’Edgar Moreau et parallèlement à la Pernoo School of Musical Performance, dans la classe de Jérôme Pernoo.
Il obtient plusieurs prix internationaux. En 2018 puis 2020, un 1er prix pour le 3ème cycle du concours Musique Art et un 2ème prix de ce même concours en cycle supérieur. Un 3ème prix au concours international «Tremplin » en 2021. Puis il obtient un 1er prix de sa catégorie ainsi que le prix de la meilleure interprétation de la pièce contemporaine de Tadas Petrulis au concours international David Geringas à Klaipéda en 2023.
Ayant participé aux sessions de ProQuartet avec le Quatuor Voce de 2015 à 2017, Gabriel se laisse captiver par les liens de la musique de chambre et intègre le quintette Pelléas ainsi que le quatuor Astor en 2022 au CRR de Paris où il étudie actuellement avec Emmanuel Strosser et Luc-Marie Aguera.
Il participe à des Masterclass avec Gary Hoffman, Mischa Maisky, puis à de nombreux festivals tels que Le Festival International de Piano de la Roque d’Anthéron, Kronberg Académie, Les Vacances de Monsieur Haydn à la Roche-Posay, Villecroze, Flaine ainsi que les journées Ravel, ou encore Musica Mundi qui lui permettront de suivre les conseils de grandes renommées internationales tels que Jacques Rouvier, Andréas Frölich, Alexandra Soumm, Claire Désert, Olivier Charlier et le trio Wanderer…
Il se produit régulièrement en soliste, musique de chambre, orchestre ou encore en duo avec son frère.
Dernièrement, Gabriel a été invité à jouer en trio devant le Prince Albert II de Monaco.
Actuellement, Gabriel Guignier joue sur un violoncelle Italien, Vincenzo SANNINO de 1916.
Biographie David d'Hermy
David D’Hermy, professeur de Formation, Analyse et Culture Musicales au CRD du Beauvaisis
David d'Hermy débute ses études musicales à Beauvais dans les années 1980. Il se forme ensuite aux Conservatoires Nationaux de Région de Boulogne-Billancourt et de Paris, et accomplit parallèlement un cursus complet de musicologie à l’Université de Paris IV-Sorbonne.
En 1992, il entre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans les classes d’érudition d’Alain Louvier, Rémy Stricker, Yves Gérard, Alain Poirier et Brigitte François-Sappey où il obtient plusieurs récompenses (Premier prix d’Analyse, Premier prix d’Esthétique, Diplôme de Formation Supérieure d’Analyse et de Culture Musicales mention Très Bien, etc.).
Passionné par tout ce qui a trait à la connaissance de la musique, à son apprentissage et plus généralement à sa transmission, il a collaboré avec Radio-France et la Cité de la Musique à la rédaction des programmes de salles et a coordonné un cycle de conférences et de concerts au sein du CRD du Beauvaisis pendant plusieurs années. Se consacrant toujours au développement culturel du territoire, il contribue actuellement à la conception et à la réalisation de nombreuses actions musicales (institutionnelles, festivalières, associative, etc.) comme organisateur, conférencier ou chef de chœur.
David d’Hermy enseigne la Formation, l’Analyse et la Culture musicales au Conservatoire à Rayonnement Départemental du Beauvaisis depuis 1994 et intervient régulièrement au Conservatoire à Rayonnement Régional de Cergy-Pontoise. Il a créé récemment et anime pour le CRD « Une heure avec… », un cycle de conférences ouvertes à tous permettant de découvrir une œuvre, un compositeur, un style, une époque... par séance de manière vivante.
Il collabore étroitement avec le Festival de Violoncelle de Beauvais depuis 2011.
Biographie Langlois de Swarte Théotime
Passion et éclectisme définissent les maîtres mots de son répertoire, lequel s’étend du XVIIe siècle jusqu’à la création contemporaine. Mais c'est bien son travail au sein de multiples ensembles baroques, particulièrement en France, qui lui doit une nomination aux Victoires de la Musique Classique 2020 dans la catégorie « Révélation soliste instrumental ». Il est en effet membre régulier de l’ensemble Jupiter aux côtés de Thomas Dunford, Jean Rondeau, Bruno Philippe et Léa Desandre, mais aussi des Ombres (Margaux Blanchard, Sylvain Sartre), de Pulcinella (Ophélie Gaillard), de l'Ensemble Marguerite Louise (Gaëtan Jarry) et des Arts Florissants : il se produit en soliste avec l'ensemble et en récital avec William Christie au clavecin.
Ses concerts le mènent dans le monde entier dans des salles prestigieuses comme la Philharmonie de Berlin, le Musikverein de Vienne, le Shanghai National Art Center, le Walt Disney Concert Hall de Los Angeles ou, plus récemment, à la Philharmonie de Paris où il donne un récital sur le violon « Davidoff » Stradivarius, conservé au Musée de la Musique.
Après des études au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans la classe de Michaël Hentz, Théotime a également fondé avec le claveciniste Justin Taylor l’ensemble Le Consort. Ils collaborent avec des artistes lyriques tels que Eva Zaïcik, Véronique Gens et Mathias Vidal ; leurs premiers enregistrements (Alpha Classics) ont remporté un vif succès, à l'image de l'album" Opus 1", couronné par un Diapason d’Or de l’année 2019. Avec The Mad Lover, Théotime signe son premier enregistrement pour Harmonia mundi en tant que soliste, suivi de Proust, le concert retrouvé sur le violon « Davidoff » avec le pianiste Tanguy de Williencourt (collection Stradivari).
Théotime Langlois de Swarte est lauréat de la fondation Banque Populaire et de la Jumpstart Foundation. Il joue sur un violon de Jacob Stainer de 1665.
Biographie Karine Lethiec
Artiste éclectique et passionnée, l’altiste Karine Lethiec est aujourd’hui reconnue pour son exigence et son ouverture artistique qui lui donnent une place de choix parmi les musiciens. Elle est reconnue notamment pour son expertise comme interprète concertiste et sa conception de programmes et projets interdisciplinaires, tissant des liens entre Musique, Beaux-Arts, Histoire, Archéologie et Sciences.
Très attachée à la transmission sous toutes ses formes, elle est engagée dans différents projets culturels, notamment la démocratisation de la musique par la médiation, l’insertion professionnelle des Jeunes Talents et la création d’aujourd’hui, amenant toutes les musiques dans des lieux inédits (musées, grottes préhistoriques, centres scientifiques, prisons, hôpitaux...). Directrice artistique de l’Ensemble Calliopée depuis 2000, du Festival Amadeus à Genève de 2004 à 2009, des Rencontres musicales de Saint- Cézaire de 2001 à 2020, du Festival & Académie Jeunes Talents Autour du Ventoux depuis 2021, elle travaille en partenariat scientifique avec le musée d’Archéologie nationale et est membre fondateur au coté de l’astrophysicien Jean Audouze du collectif AST21, Arts, Sciences et Technologies du 21e siècle.
Née dans une famille de musiciens, elle commence très jeune la musique au Conservatoire
de Nice. Diplômée avec un Master en violon, alto et musique de chambre des conservatoires supérieurs de Lyon, Paris, Genève et Berne, elle s’est perfectionnée aux États-Unis au Ravinia Steans Music Institute for young Artists à Chicago et auprès des maîtres Walter Levin et Hatto Beyerle. Elle est titulaire du Certificat d’aptitude aux fonctions de professeur, rattachée aux conservatoires de la Ville de Paris et en a été la conseillère aux études entre 2014 et 2018. Karine Lethiec est lauréate du Concours International d’alto Tertis et de la Fondation Banque Populaire et joue un alto Sympertus Niggel de 1777.
Ses voyages musicaux l’ont conduite dans des salles et festivals prestigieux, de Paris à Tokyo
en passant par Prague, Athènes, New-York et Séoul..., et de Mozart (intégrale des quintettes
de Mozart en disque avec le quatuor Stradivari) à la création contemporaine (plus d’une centaine de créations).
Elle joue en soliste avec l’Orchestre de la Suisse romande, l’Orchestre philharmonique de Radio France, la Camerata St Petersburg, l’Orchestre de chambre de Moscou, l’Orchestre Régional de Cannes, l’Orchestre Symphonique de Mulhouse, la Philharmonie de Erford, l’Orchestre Berg de Prague, le Talich chamber orchestra...
Dernièrement, Karine Lethiec a créé et interprété de nouveaux programmes musicaux :
Isadora Duncan, Quand la musique se fait danse, CosmoSono - Les ondes gravitationnelles, échos de nos origines avec l’astrophysicien Peter Wolf où elle amène la musique au sein d’un des plus grands détecteurs scientifiques actuels, l’interféromètre VIRGO à Pise et au cœur de grottes préhistoriques, Musique et Muses - La plus vieille chanson du monde et MUSICoMAN - Archéologie et création, tous disponibles à la diffusion et en version audiovisuelle sur la chaîne YouTube de l’Ensemble Calliopée.
Biographie Diana Ligeti
Diana Ligeti est violoncelliste et pédagogue, avec une riche activité internationale. Elle enseigne et joue dans le monde entier avec des partenaires prestigieux comme Martha Argerich, Boris Berezovsky, Bruno Giuranna, Christian Ivaldi, Philippe Entremont, Chang-Cook Kim, etc. Elle est membre des ensembles « Trio George Sand», « Calliopée » et est violoncelle solo de l’« Open Chamber Orchestra ». Diana Ligeti a enregistré pour Arion, Polymnies, Leman classics, Japan Chamber Music Foundation, Alphae, Warner, Elstir… des disques qui ont remporté les éloges de la critique dont un ffff de « Télérama », un Choc du « Monde de la musique » et un Diamant de « Opéra magazine ». Ses deux plus récents albums (consacrés à Gustave Mahler et à la compositrice Graciane Finzi) font partie du top 5 sur les plateformes de streaming.
Diana Ligeti est professeur au CNSMD de Paris, au CRR de Rueil-Malmaison et fait partie de l’équipe pédagogique de l’ECMA (European Chamber Music Academy) et de l’Académie de musique Française de Kyoto. (Japon). Elle enseigne aux Ecoles d’art américaines de Fontainebleau depuis 2004. En mars 2018, Diana Ligeti a été nommée directrice artistique des Ecoles d’art américaines de Fontainebleau, seule femme à diriger cette institution centenaire après Nadia Boulanger.
A la suite de ses études musicales commencées dans sa Roumanie natale, Diana Ligeti poursuit au CNSM de Paris le 3e cycle, (cycle de perfectionnement) dans les classes de Klaus Heitz (violoncelle) et de Christian Ivaldi (musique de chambre). Elle suit des nombreuses master classes de violoncelle et de musique de chambre avec Yo Yo Ma, Janos Starker, Siegfried Palm, Radu Aldulescu, Michel Strauss, Sigmund Nissel… et complète ses études musicales à l’Université de Paris IV (Sorbonne) où elle obtient une Maîtrise de musicologie. Remarquée par Lord Yehudi Menuhin, elle se perfectionne à l’International Menuhin Music Academy de Gstaad en Suisse. Diana Ligeti est titulaire du CA de violoncelle et de musique de chambre.
Finaliste du concours de l’ARD de Munich avec Anne-Lise Gastaldi en duo, elle a gagné le 1er Grand Prix au Concours International de violoncelle de Douai. Avec le « Trio Ligeti », elle a remporté le 1er prix au Concours International de Musique de Chambre d’Osaka, au Japon.
Passionnée de lutherie contemporaine, Diana Ligeti joue un violoncelle de David Ayache (Montpellier 2001) et des archets de Pierre Grunberger (Paris 2010) et Emmanuel Begin (Montréal 2017).
Biographie Bruno Lima
Bruno Lima (né en 1996 à Maceió) est un violoncelliste et compositeur brésilien. Il a commencé à prendre des leçons de solfège à l'âge de quatre ans avec son père et a commencé à jouer du violoncelle à l'âge de 16 ans. Auparavant, il jouait du saxophone alto dans l'église de sa ville natale et s'est plongé dans la musique populaire brésilienne et le jazz, se familiarisant avec l'improvisation et l'harmonie jazz. Son intérêt précoce pour l'arrangement l'a amené à se passionner pour l'orchestration, l'harmonie traditionnelle et le contrepoint.
Bruno est un interprète et un compositeur actif au Brésil et en Europe, salué pour la qualité de son timbre, son art inspiré et sa polyvalence, tant dans la musique classique que dans la musique populaire.
Ses œuvres ont été présentées lors de festivals internationaux tels que le Lucerne Festival, le Järna Festival Academy, le Ilumina Festival, le Fränkischer Sommer et le CelloFest.
Il a collaboré avec des musiciens de renom tels que Tai Murray, Julian Steckel, Yura Lee, Jennifer Stumm, Liza Ferschtman, Anthony Marwood, Christian Poltéra et Lars Anders Tomter.
Il est le violoncelliste fondateur du quatuor à cordes Ruska et forme un duo avec le guitariste finlandais Otto Kentala.
En 2018, Bruno a remporté deux concours nationaux au Brésil. Il est diplômé de l'Université fédérale du Rio Grande do Norte et termine son master à l'Académie Sibelius. Il joue un violoncelle Georges Cunault de 1912, accordé par l'Académie Sibelius, et a récemment reçu une bourse de mérite de la Fondation Martin Wegelius.
Biographie Johana Malangré
Saluée comme « une chef d'orchestre naturelle » par l'Orchestre symphonique de la ville de Birmingham, la chef d'orchestre allemande primée Johanna Malangré est la nouvelle chef d'orchestre de l'Orchestre de Picardie en France depuis septembre 2022 et s'est fait remarquer pour sa musicalité électrisante et son leadership imaginatif.
Parallèlement à sa saison de directrice musicale à Amiens comprenant plusieurs séries de concerts, un enregistrement et une tournée en France et en Allemagne, 24/25 voit Malangré faire ses premières apparitions à l'Orchestre National de Lyon, au Münchner Philharmoniker, à l'Orquestra Sinfónica de Tenerife, à Jonköping Sinfonietta et à Wermland. Orchestre de l'Opéra. Elle reviendra également au Festival de Lucerne à la tête du LFCO dans une création mondiale de la compositrice Lisa Streich et dirigera "12 vies de Schönberg" à l'Opéra de Nice dans une mise en scène de Bertrand Bonello. De plus, Malangré fait ses débuts au Japon avec l'Orchestre Philharmonique de Nagoya et l'Orchestre Gunma en juin 2024.
Suite à de récentes invitations, elle a collaboré en tant que chef invité avec l'Orchestre Philharmonique de Kiel, le Wuppertaler Sinfonieorchester, le Dortmunder Philharmoniker, le Münchner Rundfunkorchester, le Musikcollegium Winterthur, la Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, le Collegium Novum Zürich, le Göttingen Symphonyorchester, la Real Filharmonía de Galicia, le Luzerner Sinfonieorchester, le Helsinborgs Symfoniorkester. , Norrköpping Symfoniorkester, l'Orchestre National de France, l'Orchestre de Pau, Besançon et l'Orchestre de Bretagne, avec lesquels elle a enregistré « Sensations », un CD ERATO/Warner Classics avec le soliste Gauthier Capuçon. Malangré s'associe également régulièrement à des solistes internationaux comme Alban Gerhardt, Alexandre Tharaud, Lucienne Renaudin-Vary ou Carolin Widmann.
Lors du Concours de direction d'orchestre MAWOMA 2019 à Vienne, Malangré a reçu le 1er prix et le prix d'orchestre par un jury présidé par le directeur du Teatro alla Scala, Dominique Meyer. En 2016/207, elle a remporté le poste de chef d'orchestre adjoint du Bergische Symphoniker et a ensuite été réinvitée à plusieurs reprises pour diriger l'orchestre. Elle a débuté sa carrière à l'Opéra de Chambre de Cologne en tant que chef d'orchestre assistant, collaborant à de nombreuses productions. Malangré continue d'élargir son répertoire d'opéra, dans le passé elle a dirigé des productions de « Rusalka », « La nozze del Figaro », « Un index des métaux » et « Die Fledermaus ».
Sa passion pour faire connaître le monde de la musique orchestrale à un public plus large et son intérêt particulier pour l'organisation de programmes visant à initier de nouveaux publics à la musique classique l'ont amenée à fonder en 2019 l'Orchestre du Festival HIDALGO qui réunit les jeunes musiciens de tous les orchestres de la ville de Munich. .
Diplômée de la célèbre classe de direction d'orchestre du professeur Johannes Schläfli à Zurich, Johanna a été coachée par des mentors dont Bernard Haitink, Paavo Järvi, Nicolas Pasquet et Reinhard Goebel.
Biographie Krzystof Michalski
Krzysztof Michalski est né en 2003 à Tarnobrzeg, dans le sud de la Pologne. Là, il a commencé́ son éducation musicale qui a ensuite eu lieu à Państwowa Szkoła Muzyczna II st. im. Władysława Żeleńskiego à Cracovie.
À l’âge de 10 ans, il a commencé́ à travailler sous la direction artistique de Henryk Zarzycki, un professeur de violoncelle exceptionnel, qui lui a accordé́ une bourse à l’Université́ EAFIT à Medellín, en Colombie, lui permettant d’y étudier pendant les vacances de 2015 et 2016.
Dans les années 2019-2021 Krzysztof a été étudiant à l’école internationale Musica Mundi à Waterloo, en Belgique (étudiant avec Claire Oppert, Aleksandr Khramouchin, Vladimir Perlin et Jérôme Pernoo) où il a obtenu son diplôme avec la plus haute distinction ‘Summa Cum Laude’. Actuellement, il poursuit sa formation au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans la classe de violoncelle d’Edgar Moreau et dans la classe de musique de chambre de Claire Désert et François Salque en formation duo avec le pianiste Antonin Bonnet. Les deux musiciens ont été invités à se produire ensemble au festival à La Roque-d’Anthéron, été 2023.
Au cours des 3 dernières années, il a remporté́ plusieurs concours internationaux et nationaux en Europe et aux États-Unis, dont les plus importants ont été le 1er prix au Johansen International Competition for Young String Players à Washington DC, États-Unis, 2018, le 3e prix au Brussels Cello Competition à Bruxelles, Belgique, 2020, et plus récemment, le 3e prix au Premier Concours International Zoltán Kodály à Debrecen, Hongrie, 2022. Il s’est produit en soliste avec des orchestres symphoniques et de chambre en Pologne, en Allemagne, en Hongrie, en Belgique et en Colombie, entre autres avec l’Orchestre symphonique national de la Radio Polonaise à Katowice, l’Orchestre de l’Université technique de Dresde, le Kodály Philharmonic Orchestra à Debrecen, Orquesta Sinfónica del Departamento del Tolima à Ibagué (Colombie), avec l’Orchestre Philharmonique de Flandres à Anvers, Belgique, avec l’Orchestre Symphonique de l’Académie de Musique de Cracovie et plus encore. Dans sa production artistique, il compte également plusieurs récitals en Europe, en Asie, en Amérique du Nord et du Sud, dont la majorité en Pologne, en Belgique, en Allemagne, en Slovaquie, en Israël, aux États-Unis, en France et en Colombie.
Dans les années 2015-2017, il a été le violoncelle solo du Lusławicka Orkiestra Talentów basé au Europejskie Centrum Muzyki Krzysztofa Pendereckiego et depuis lors, il est fréquemment invité à s’y produire pour différentes occasions. À quatre reprises (2017-2020), il a participé́ au programme Morningside Music Bridge organisé par le Calgary Philharmonic Orchestra et le New England Conservatory, où il a eu la chance de travailler avec certains des enseignants les plus éminents du monde tels que : Laurence Lesser, Paul Katz, Andres Diaz, Na Mula, Agata Szymczewska, Midori Goto, Teng Li et d’autres (Boston, MA, États-Unis et Varsovie, Pologne). Krzysztof est très passionné par la musique de chambre, en 2021 avec son trio « Musica Mundi », il a travaillé́ avec des personnalités comme Maxim Vengerov ou Jacques Rouvier et il a remporté́ plusieurs concours internationaux et a été invité à jouer dans de nombreux festivals de musique de chambre. Depuis 2020, sous la direction de Polina Leschenko et Sergio Tiempo, il travaille régulièrement avec la jeune pianiste belge Aude Van De Keere avec qui il étudie et interprète le répertoire pour violoncelle et piano.
En septembre 2024, il accède à la consécration, étant reconnu comme l’un des plus brillants talents de sa génération, en remportant le 2e prix au prestigieux concours de violoncelle de l’ARD de Munich.
Actuellement, il joue sur un violoncelle de R.&A. Gagliano, prêté́ par Florian Leonhard.
Biographie Uiler Moreira
Uiler Moreira est un violoniste brésilien qui a commencé son parcours musical avec l'Orchestre des jeunes de Bahia dans le cadre du projet social NEOJIBA, où il a eu l'occasion de se produire aux côtés de personnalités renommées telles que Martha Argerich et Midori GOTO dans des salles de concert prestigieuses, notamment la Sala Santa Cecilia à Rome.
Il a obtenu son diplôme de musique à l'université fédérale de Bahia sous la direction du professeur Alexandre Casado et a ensuite suivi un cours de pré-master au Conservatoire royal de Bruxelles avec le professeur Naaman Sluchin.
Lauréat de concours internationaux, tels que le concours InMusic Winds and Strings Competition à Lisbonne, Uiler se produit régulièrement avec l'Orchestre symphonique de São Paulo. Sa passion pour la musique de chambre l'a amené à collaborer avec d'éminents musiciens tels que Jennifer Stumm, Matthew Hunt, Tai Murray, Alina Ibragimova, Liza Ferschtman, Asbjørn Nørgaard, Giovanni Gnocchi, Matthias Bartolomey, Thorsten Johanns, Pedro Gadelha, Razvan Popovici, Justus Grimm et Julian Rachlin, et à participer à des festivals importants tels que le festival Ilumina et le festival d'été de Lucerne.
Récemment, il a été invité au festival Trame Sonore en Italie et au Stellenbosch International Chamber Music Festival en Afrique du Sud, et s'est produit avec Ilumina au Concertgebouw et au Festival international d'Édimbourg, se faisant ainsi remarquer sur les scènes internationales.
Biographie Sacha Morin
1er prix du concours international « Les Virtuoses du Cœur » en 2024, Sacha Morin est présenté comme « un nom à retenir de la jeunesse du piano français » (Benoît Fauchet, Diapason 2023).
Il se produit en concert dans plusieurs pays : France, Roumanie, Suisse... et partage notamment la scène avec le chef Bruno Mantovani dans le concerto en sol de Ravel en 2021. La même année, il joue le double concerto BWV 1061 de Bach au festival des Nuits Pianistiques d’Aix-en-Provence.
À l’âge de 12 ans, il joue sous la direction de la cheffe Ariane Matiakh avec l’orchestre d’Auvergne.
Sacha Morin étudie actuellement au CNSMDP dans la classe d’Emmanuel Strosser, où il fut admis à l’âge de 17 ans.
Il se produit régulièrement en récital dans de nombreuses villes d’Europe, notamment à la Salle Molière de Lyon, les palais Bragadiru et Mogosoaia de Bucarest, l’opéra de Saint-Étienne, le Mucem de Marseille... Il est invité dans de nombreux festivals : Georges Enescu, Festival des Arcs, L’Autre Saison, la Société Marseillaise des Amis de Frédéric Chopin, l’Offrande Musicale, Musique à Vars…
En 2024, il remplace Augustin Dumay et le quatuor Hermès au pied levé au festival l’Autre Saison en donnant un concert à quatre mains avec le pianiste Michel Dalberto. Il se produira deux fois à ses côtés lors du Festival-Académie des Arcs en Juillet 2024.
On a pu entendre Sacha Morin sur France Musique en 2021 dans l’émission « Un Été Classique » présentée par Philippe Cassard, puis dans l’émission « Générations France Musique » en 2022.
Le Monde le cite en « pianiste prodige de 19 ans » (octobre 2023) dans l’article consacré à son concert au sein du festival l’Autre Saison, annoncé dans la « Matinale de France Musique » présentée par Jean-Baptiste Urbain.
En 2023, Diapason lui consacre un article dans sa rubrique « Jeunes Talents ».
Il est également mis en avant par le Festival Enescu dans « Revista Festivalului » pour son activité de chambriste.
Chambriste apprécié par ses pairs, il se produit aux côtés d’éminents musiciens comme Anne Gastinel, David Grimal, Diemut Poppen, Philippe Cassard, Michel Dalberto…
En parallèle de sa formation au CNSM, Sacha travaille régulièrement avec des pianistes de renom tels que Philippe Cassard, Michel Dalberto, David Fray, Jean-Philippe Collard, Boris Berman, Claire Désert, Florent Boffard, Bernard D’Ascoli, Laurent Cabasso…
Biographie Daniel Murray
Né en 1980 il commence ses études musicales à six ans. Lorsqu'il atteint 13 ans, encouragé par le guitariste José Murray, il se consacre plus intensément à l'étude de la guitare, en faisant des cours avec Floriano Rosalino, Celso Brescia (à la Cia das Cordas), Edelton Gloeden, Paulo Porto Alegre... Depuis lors, il se présente comme soliste et musicien de chambre, dans des espaces tels que le Centro Cultural São Paulo, Teatro Municipal-SP, Masp...
À 15 ans, il remporte le second prix au Concours International de Guitare de Trédrez-Locquémeau (France), étudiant avec Aberto Ponce, pendant un mois, à La Coûme dans les Pyrénées. Depuis lors il étudie le luth avec Silvana Scarinci et Carin Zwiling.
À 17 ans, il entre à la FASM - Faculté Santa Marcelina, où il étudie la musique contemporaine avec les professeurs Silvio Ferraz et Flo Menezes, poursuivant avec ce dernier ses études d'analyse musicale, après avoir terminé son cursus universitaire.
En 2001, il commence à se consacrer à la composition, étudiant avec João Carlos Assis Brasil.
En 2002 il forme un Duo avec Paulo Porto Alegre, son professeur, consacré à l'interprétation du répertoire moderne et d'avant-garde pour deux guitares.
En juin 2003, il fait un récital solo, à Nantes-France, de musique populaire brésilienne et de musique contemporaine, incluant quelques-unes de ses compositions. Il participe, obtenant une bourse, au XXXIVe Festival de Campos do Jordão. En août, il joue au Festival Musica Nova, et en septembre et octobre en France, à Lannion et à Paris (Ambassade du Brésil et Maison de l'Amérique Latine).
En 2004, il participe, en tant qu'interprète et compositeur, à la création du spectacle de danse-théâtre Me Gusta Neruda, avec le clarinettiste Gustavo Barbosa Lima et les danseurs Juan Castiglioni et Marisa Magalhães. Il se présente dans le projet Cenapoética, avec le poète français Yvon Le Men dans plusieurs endroits à Sao Paulo, et au Festival Étonnants Romantiques à Combourg, en France. Il joue à Paris à l'occasion de la Fête de la Musique (Ambassade du Brésil). Il participe de la BIMESP- Biennale de Musique Électroacoustique de São Paulo.
Actuellement, il donne des cours de guitare érudite à la Cia das Cordas. Il fait partie du Trio Opus 12, trio de guitares, avec Paulo Porto Alegre et Edelton Gloeden, et fait régulièrement des concerts avec Paulo Bellinati et Israel de Almeida. Il est guitariste invité do Núcleo Hespérides - Música das Américas, groupe qui se compose des musiciens Andréa Kaiser, Antonio Ribeiro, Rosana Civile, José Antonio Soares, Paulo Porto Alegre, Joaquim de Abreu, Rogério Wolf, Heloisa Petri, José Augusto Mannis et Celso Delneri, ayant réalisé des concerts, notamment, dans la salle São Paulo.
Biographie Lynn Renouil-Hata
Née en décembre 2007, Lynn RENOUIL-HATA commence le violoncelle à l’âge de 7 ans. En 2022, elle est admise au Conservatoire National Supérieur de Paris à seulement 14 ans. Elle est la plus jeune instrumentiste de sa promotion. Elle s’y perfectionne actuellement en violoncelle avec Raphaël Pidoux, en musique de chambre avec Emmanuelle Bertrand et en piano avec Eliane Reyes.
Elle fait ses débuts en tant que soliste à l’âge de 10 ans avec l’Orchestre Symphonique de Montpelier et l’Orchestre de Chambre de Toulon.
Gautier Capuçon, un des plus grands violoncellistes du siècle, est son mentor et son coach depuis sa consécration à la célèbre émission de France 2, Prodiges, en 2017.
Elle remporte plusieurs premiers prix de concours internationaux, les derniers étant notamment, en 2022, le Grand Prix au Concours FLAME et en 2021, le Premier Prix au Concours Vatelot-Rampal.
Lynn est régulièrement invitée à se produire en soliste à travers l’Europe, lors de concerts au théâtre Marcello de Rome et au festival Classissimo de Bruxelles entre autres. Elle participe, en juin 2018, à l’émission Générations France Musique, présentée par Clément Rochefort.
L’été 2022, elle est sélectionnée à la Verbier Festival Academy, et est la plus jeune soliste instrumentiste de l’année. Elle y travaille auprès de maîtres tels que Frans Helmerson, Alban Gerhardt et Miklós Perényi. Elle a également la chance de travailler la musique de chambre avec des musiciens de renom, tels que Augustin Dumay, Mihaela Martin, Mathieu Herzog et Gabor Takacs-Nagy.
Lynn commence le violoncelle au Conservatoire de Saint Germain en Laye avec Claire Oppert puis poursuit au Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris avec Marie-Paule Milone et en cours particulier avec Annie Cochet-Zakine avant d’intégrer à sa formation supérieure en 2022.
Biographie Hana Salzenstein
Après avoir suivi ses études au Conservatoire de Paris dans la classe de Raphaël Pidoux, Hanna se produit dans de nombreux festivals tels que La folle journée de Nantes, le festival international de piano de la Roque d’Anthéron, le festival des Sommets Musicaux de Gstaadt ainsi qu’en soliste avec l’Orchestre du Conservatoire de Paris et avec l'Orchestre Appassionato dirigé par Mathieu Herzog à la Seine Musicale dans le cadre de l'académie Philippe Jaroussky. Elle étudie le violoncelle baroque dans la classe de Christophe Coin, puis intègre le Consort aux côtés de Justin Taylor, Théotime Langlois de Swarte et Sophie de Bardonnèche. L’ensemble s’est depuis produit en France et en Europe sur de très nombreuses scènes (Philharmonie de Paris, Arsenal de Metz, Philharmonie de Cologne, BOZAR Bruxelles, ElbPhilharmonie Hambourg, Opéra de Dijon, Opéra de Montpellier, OudeMuziek). Ils enregistrent plusieurs disques notamment « Specchio Veneziano » récompensé par un Diapason d’Or et collaborent avec des chanteuses telles que Eva Zaicik et Adèle Charvet. Récemment, à l’Auditorium de Radio France, lors d’un week-end de trois concerts du Consort consacrés à Antonio Vivaldi, Hanna a partagé la scène en soliste avec Christophe Coin dans le concerto pour deux violoncelles. Elle s’est également produite en soliste avec Le Concert de la Loge, dirigé par Julien Chauvin. Membre du Dichter Trio avec le violoniste Théotime Langlois de Swarte et la pianiste Fiona Mato, ils participent au Festival International de piano de la Roque d'Anthéron avant de devenir artistes résidents à la Fondation Singer Polignac. Ils enregistrent ensuite un disque chez Harmonia Mundi consacré à Clara et Robert Schumann, en collaboration avec le Musée de la Musique. Hanna est lauréate de la Fondation Banque Populaire et s’est produite récemment aux côtés de Renaud Capuçon, lors d’une résidence de jeunes artistes avec notamment Paul Zientara et Vassily Chmykov. Elle participe également en 2023 à la création mondiale d’une œuvre de Benjamin Attahir pour trois violoncelles et voix de soprano intitulée « Le Jardin d’Afrique ». Durant la saison 23/24 Hanna retrouve ses collègues et amis de l’ensemble Le Consort pour leurs débuts aux USA avec une tournée de vingt concerts outre-Atlantique. Hanna réalise également son premier enregistrement solo, chez le label Mirare, consacré à l’émergence du violoncelle soliste en Italie au début du XVIIIème siècle.
Biographie Alexandre Soumagne
Violoncelliste de formation, Alexandre Soumagne a un parcours à l’image de ses goûts artistiques :
« Classique et éclectique ».
Né à Soissons en 1971, il y débute ses études de violoncelle au conservatoire, repéré par Nelly Pasquier avec qui il travaillera pendant 6 ans, il rentre à l’âge de 15 ans au CNR de Rueil Malmaison où il obtiendra tous ses prix à l’unanimité « 1er prix, excellence, virtuosité ainsi qu’un 1er prix de musique de chambre ».
Une rencontre avec Sungwon Yang « assistant de Yanos Starker à Indiana » l’amènera aux Etats-Unis où il suivra ses cours au Bowdoin Music Festival deux étés de suite, pour ensuite se consacrer à sa carrière de musicien et de pédagogue.
Titulaire du C.A. de professeur de violoncelle ainsi que du D.E. il est actuellement professeur au Conservatoire à Rayonnement Départemental de Beauvais et du conservatoire municipal de musique de Tergnier.
En charge des orchestres (pizzicato, intermezzo et l'orchestre symphonique) pour le CRD de Beauvais jusqu'en 2017. Il coordonne pour l'année 2015 un conte musical « L'étrange voyage d'Arthur » qu'il a écrit , mis en scène et joué le rôle du récitant , sur des musiques de Stéphane Krégar. Actuellement en charge des ensembles de violoncelles adultes.
Pour la saison 2017-2018 du conservatoire de Beauvais, il écrit un spectacle sur l'histoire de la guitare dans lequel il mettra en scène et sera récitant pour le projet « Guitarissimo » en collaboration avec ses collègues guitaristes Danièle Ishii et Salem Amrane.
Récitant dans le projet la semaine de l'orgue pour « Pierre et le Loup » et « L'organiste Fifaro »avec Coralie Amedjkane à l'orgue.
Encadrant pour le pupitre de violoncelles dans les stages d'orchestre de l'U.D.E.A pour les saisons 2010 et 2011, ainsi que pour la saison 2016 de l'Orchestre départemental de l'Aisne en partenariat avec l'orchestre les Siècles.
Toujours en recherche dans la pédagogie il encadre un atelier à Soissons ainsi qu'à Beauvais pour le projet Démos de la Philharmonie de Paris de 2013 à 2020.
Musicien d’orchestre, « violoncelle solo de l’orchestre des violons de France pendant 10 ans », chambriste, il joue aussi bien en formation sonate piano violoncelle, trio à cordes, quatuor, et pendant 8 ans membre de l’Octuor de violoncelles de Beauvais.
Participe à « l'orchestre de la Cité » en partenariat avec « les Siècles » à Soissons dans le cadre de la saison 2017-2018.
Alexandre Soumagne, aujourd'hui laisse libre cours à sa créativité, grâce à un spectacle seul en scène, mêlant violoncelle, chant, danse, sketchs : « Un violoncelliste dans tous ses états » Idée qui est née à l’âge de 20 ans après avoir fait la rencontre de la comédie musicale dans une école dédiée à cet art: « Camdicéa ».
Depuis 2019 membre de l’ensemble Akantha se rassemblant autour des œuvres de Dominique Lemaître avec des œuvres pour violoncelle seul et ensemble variable.
Il n'hésite pas à partager son dynamisme, sa joie de vivre et son enthousiasme dès que l'occasion lui en est donnée, aussi bien seul qu'avec ses amis du théâtre et de la musique classique.
Biographie Gustavo Tavares
Lauréat du prestigieux « Prix de la presse internationale brésilienne », Gustavo Tavares a été décrit comme « l'un des plus grands noms brésiliens de la musique classique contemporaine » (Correio Braziliense).
Docteur en arts musicaux, il est reconnu comme un musicien polyvalent, connu non seulement comme violoncelliste, mais aussi comme compositeur, arrangeur et pédagogue. Il s'est produit dans de nombreux pays d'Europe, d'Asie, d'Afrique, d'Océanie et d'Amérique, jouant dans certains des festivals et salles de concert les plus prestigieux du monde, tels que le Kennedy Center à Washington et le Carnegie Hall à New York, Ludwigsburger Schlossfestspiele et Rheingaufestspiele en Allemagne, la salle de l'UNESCO à Paris, la Sala Puccini à Milan, le Palais du Quirinal à Rome, le Miami Festival, la Royal Academy of Music à Londres, le Nehru Park à New Dehli, le Lisinski Hall de Zagreb et la Sala Bellas Artes à Porto Rico. Les programmes pour la radio et la télévision comprennent des concerts transmis par la National Public Radio américaine à Washington DC, la WQXR de New York, la radio et la télévision nationale slovène (RTV), la radiodiffusion nationale croate (HRT), ETV Sri Lanka, la NRK norvégienne, la Radio Roquete Pinto au Brésil, et la RAI italienne. En tant que soliste, il a notamment donné des concerts avec l'Orchestre symphonique national du Brésil, l'Orchestre philharmonique de Johannesburg, l'Orchestra d'Arch Italiana et l'Oslo Sinfonietta.
En 1995, il crée l'ensemble « Triangulo » avec Paquito d'Rivera et Pablo Zinger, qui, selon le critique américain C. Berg, a contribué à « redéfinir les principes de base de la musique de chambre ». Le groupe a enregistré plusieurs CD, dont l'un a été finaliste pour le Grammy Award du « Meilleur disque Crossover », et un autre a été classé « Disque de l'année » par le journal brésilien « O Estado de São Paulo ».
Gustavo Tavares a été l'élève d'Antonio Janigro à la Musikhochschule de Stuttgart, en Allemagne, où il a obtenu son diplôme avec la plus haute distinction en 1986. Il est ensuite devenu l'assistant de Bernard Greenhouse à l'université Rutgers, aux États-Unis, où il a obtenu son doctorat. Toujours à l'université Rutgers, il a été pendant plusieurs années « artiste en résidence » au Center for Latino Arts and Culture. Dans le cadre de ses travaux universitaires portant sur des questions essentiellement liées à l'interprétation, à la pédagogie du violoncelle, à la relation entre le son naturel et la musique et à divers aspects de la musique latino-américaine, il a été invité à donner des conférences dans des institutions telles que l'université de Bergen et la Guildhall School of Music and Drama de Londres, ainsi que lors de réunions de l'European String Teachers Association. Il est membre du comité éditorial mis en place par la Société brésilienne de musicologie, qui travaille actuellement à la création d'un nouvel ouvrage de référence sur « l'histoire » de la musique au Brésil.
Ses compositions et arrangements ont été interprétés et enregistrés par des artistes tels que Yo-Yo Ma, l'ensemble de violoncelles de l'Orchestre symphonique de Göteborg et la Lincoln Center Chamber Music Society, pour n'en citer que quelques-uns. Il a réalisé plusieurs arrangements pour les CD « Riberas » du Buenos Aires Quartet, ainsi que pour « Obrigado Brazil - Live » de Yo-Yo Ma, et les deux productions ont été récompensées par un Latin Grammy. Son œuvre « Egum » a été récemment créée au théâtre « La Fenice » de Venise, en Italie, et un quintette à cordes avec deux violoncelles a également été joué pour la première fois dans le cadre de la série de musique de chambre de l'Opéra national norvégien.
Gustavo Tavares collabore souvent avec des musiciens de différents genres musicaux, ainsi qu'avec des danseurs, des écrivains et des artistes visuels. Parmi ces derniers, une collaboration de longue date avec le groupe de danse moderne norvégien « Panta Rei Dance Theatre » l'a amené sur les scènes d'Angleterre, de Tanzanie, du Canada, de Chine (Hong Kong), d'Australie et de Norvège. Il est l'auteur du livre « Brazilian music for cello and guitar : on the corner of the classical and the popular », écrit en collaboration avec le guitariste de jazz brésilien Nelson Faria, avec lequel il a également enregistré deux CD, dont l'un en trio avec le percussionniste brésilien Rodolfo Cardoso.
Il a été membre du jury de concours prestigieux tels que le concours international de violoncelle Antonio Janigro, en Croatie, ainsi que le « Internationaler Instrumentalwettbewerb Markneukirchen », en Allemagne. En tant qu'enseignant, il a été en contact avec de jeunes musiciens talentueux, non seulement en tant que professeur invité dans des conservatoires et des festivals reconnus, mais aussi dans le cadre de divers projets menés dans des régions moins favorisées d'Afrique, d'Asie et des Amériques.
Parmi les activités récentes, on peut citer l'enregistrement d'un nouveau CD solo, ainsi qu'un projet en collaboration avec la « Sustainable Amazonas Foundation » du Brésil, qui a déjà donné lieu à plusieurs tournées le long de certaines rivières du bassin de l'Amazone, où il s'est produit pour la population locale dans des zones protégées et des réserves. Parmi les autres projets, citons la création d'une œuvre pour 12 violoncelles et cloches, commandée par l'organisation « Molis'è Musica », en Italie, un programme phare pour la London Cello Society Digital Series (Musical Roots : Gustavo Tavares returns to Natal), ainsi que la collaboration en tant que compositeur à un projet de film de la réalisatrice italienne Angiola Janigro. Une série d'enregistrements de sa musique, en collaboration avec l'ensemble de violoncelles de l'Opéra national de Norvège, est également prévue pour le début de l'année 2025.
En reconnaissance de ses nombreuses contributions à la culture, tant au Brésil qu'à l'étranger, Gustavo Tavares a été nommé « Officier de l'Ordre de Rio Branco », l'une des plus importantes reconnaissances accordées à une personne par l'État brésilien.
Biographie Antoine Trouvé
Antoine débute le violoncelle à 6 ans avec Emmanuel Coulombel. Très vite il commence à se produire en récital et en soliste dans les concertos de Lalo, Schumann, Saint Saëns et Bruch. Il obtient un premier prix de violoncelle à l’unanimité dans la classe d’Emmanuelle Bertrand, il est admis en 2020 au Conservatoire Royal de Bruxelles avant d’intégrer en 2024 l’Ecole Normale de Musique de Paris - Alfred Cortot dans la classe d’Astrig Siranossian. Il bénéficie régulièrement des conseils de Philippe Müller, mais aussi d’Éric-Maria Couturier, Ophélie Gaillard, Anssi Karttunen et du quatuor Voce. Il se passionne également pour la musique contemporaine et a donné la première mondiale de « Mourning » de Guy Bacos, œuvre pour violoncelle, orchestre et chœur de femmes avec l’Orchestre Universitaire de Picardie pour le concert des 800 ans de la Cathédrale Notre Dame d’Amiens.
Directeur artistique de l’association « Les cordes du Mont-César » il crée des ensembles à géométrie variable et amène la musique classique en milieu rural pour les publics parfois très éloignés des grandes salles de concerts, soucieux de faire rayonner la jeunesse musicale et l’excellence. Antoine est au cœur de projets et de rencontres autour du violoncelle dans les zones les plus sensibles ainsi qu’à la rencontre de jeunes en centre éducatif ou pénitentiaire.
Il s’est produit sur plusieurs des grandes scènes européennes comme le Teatro Verdi de Pise ou encore à Flagey lors du festival Musiq3 de Bruxelles et est fréquemment invité de festivals tels que « les arts en vacances », « les nocturnes d’opale » ou encore le « Festival international de Violoncelle de Beauvais ». En 2023 il est prix d’honneur de l’« Academia Stefano Strata » de Pise et bénéficie des master class de Silvia Chiesa.
Antoine joue un violoncelle de Jean Louis Prochasson fabriqué en 2022 et un archet de Sylvie Masson de 2016.
Biographie Ensemble Calliopée
Fondé en 1999, l’Ensemble Calliopée est un ensemble de musique de chambre à géométrie variable, de deux à dix musiciens, composé d’artistes de niveau international qui conjuguent leurs qualités de soliste et de chambriste sous la direction artistique de Karine Lethiec.
En parallèle à la transmission des chefs-d’œuvre de musique de chambre des classiques à nos jours, l’Ensemble est attaché à la recherche de nouveaux répertoires du passé comme du présent et s’investit dans le partage avec tous les publics. Il est commanditaire de nombreuses œuvres contemporaines. La démarche de l’Ensemble Calliopée est avant tout de transmettre, à travers l’émotion de la musique, le goût pour les œuvres du patrimoine musical et la curiosité pour la création d’aujourd’hui, avec un regard original et élargi au contexte artistique, historique ou scientifique, comme aux questionnements contemporains.
L’Ensemble Calliopée conçoit et interprète des programmes et des spectacles interdisciplinaires dans le domaine des arts (expositions Chagall au musée du Luxembourg,
Au-delà des étoiles et Degas Danse, au musée d’Orsay), de l’Histoire (autour de la Grande Guerre notamment), de l’archéologie (en partenariat avec le musée d’Archéologie nationale), de la littérature (contes musicaux et mélodrames), du cinéma (ciné-concert Comme en 14, cartoon - concert Krazy Kat), de la danse (Isadora Duncan, quand la musique se fait danse) et de la science (Cosmophonies et Mozart et les étoiles avec l’astrophysicien Hubert Reeves, qui allie musique, cosmos, nature et protection de notre planète, actuellement disponible en version avec vidéos).
L’Ensemble se produit dans des salles, théâtres et festivals prestigieux, en France et à l’étranger. Il met également en œuvre des projets artistiques et pédagogiques dans le cadre de partenariats qu’il noue sur le moyen ou le long terme avec des institutions originales : au Centre culturel tchèque de Paris de 2000 à 2010, aux Rencontres de Saint- Cézaire de 2001 à 2021, au musée de la Grande Guerre du Pays de Meaux entre 2011 et 2018, à la Fondation des États-Unis depuis 2017, au musée d’Archéologie nationale – Domaine national de Saint-Germain-en-Laye depuis 2018.
En 2021, l’Ensemble Calliopée a créé de nouveaux programmes musicaux : CosmoSono – Les ondes gravitationnelles, échos de nos origines avec l’astrophysicien Peter Wolf, Musique et Muses – La plus vieille chanson du monde et Une Pierre raconte – hommage à la dalle gravée de Saint-Bélec, déjà diffusés sur la chaîne de télévision TV78, disponibles sur YouTube et à la diffusion en film ou en concert.
En 2023, après plusieurs mois de préparation, l’Ensemble Calliopée lance MUSICoMAN, un nouveau projet de créations musicales audiovisuelles inspirées par l’archéologie (6 commandes à des compositeurs d’aujourd’hui) à retrouver en web-série, film documentaire, concerts musique et vidéo et diffusion internationale.
L’Ensemble collabore avec des institutions muséales pour valoriser les collections ou les expositions. Pour la saison 2023-2024, L’Ensemble Calliopée est en résidence au Musée de l’Homme à Paris en lien avec l’exposition Préhistomania.
Biographie Orchestre de Picardie
Fondé en 1984, l’Orchestre de Picardie s’est agrandi au fil des années et aujourd’hui a atteint un effectif dit Mannheim de 37 musiciens permanents. Faisant suite à des prédécesseurs de renom comme Alexandre Myrat, Patrick Fournillier, Louis Langrée, Edmon Colomer, Pascal Verrot et Arie van Beek, Johanna Malangré en est la directrice artistique-cheffe permanente depuis septembre 2022.
L’Orchestre de Picardie a pour mission la production, la transmission et la diffusion de la musique symphonique. Attaché à une relation de proximité avec tous ses publics, l’Orchestre de Picardie se produit à travers toute la région afin de permettre l’accès à la musique classique aux populations les plus reculées. De fait, l’Orchestre de Picardie a été le premier orchestre à avoir reçu le label « Orchestre national en région » en juillet 2018.
Ambassadeur de sa région, l’Orchestre de Picardie a participé à des réseaux européens qu’il a créés, et les partenariats durables dont il bénéficie concourent à déterminer une identité unique et témoignent de la modernité du projet qu’il conduit.
Les activités de l’Orchestre de Picardie s’organisent autour de trois piliers : les concerts de saison, l’éducation artistique et les actions citoyennes.
Biographie Le Consort
Ensemble de solistes, Le Consort est né de la volonté de quatre jeunes musiciens de faire renaître le répertoire de la sonate en trio et de faire de ce genre, véritable quintessence de la musique de chambre baroque, le cœur de leur projet artistique en interprétant les œuvres de compositeurs célèbres tels que Corelli, Vivaldi, Purcell et moins connus comme Reali ou Dandrieu. Les quatre musiciens aiment à souligner dans leurs interprétations le dialogue entre les deux violons et cette basse continue qui déploie une richesse de contrastes si caractéristique de la musique de chambre du XVIIe et XVIIIe siècles.
En juin 2017, Le Consort avait remporté le Premier Prix et le Prix du Public lors du Concours International de Musique Ancienne du Val de Loire, présidé par William Christie. Il a été depuis Ensemble-résident à l’Abbaye de Royaumont, à la Banque de France, et aux Festivals de Wallonie pendant l’été 2021.
Depuis quelques années, Le Consort sort régulièrement des sentiers de la sonate en trio pour créer des programmes plus ambitieux avec des chanteurs et chanteuses comme ce fut le cas avec Adèle Charvet et le programme Teatro Sant Angelo. Le Consort fait également fleurir ses effectifs pour accompagner les projets de concerts ou d’enregistrements de ses membres solistes tout en réalisant le tour de force d’arriver à conserver un fonctionnement chambriste malgré un nombre de musiciens à la hausse.
Pour leurs enregistrements, en exclusivité pour ALPHA Classics, les musiciens du Consort affirment leurs choix artistiques avec un ‘Opus 1’, réunissant des sonates inédites de Jean-François Dandrieu, couplées avec Corelli (Diapason d’or de l’année 2019), suivi d’un Specchio Veneziano, mettant en regard deux compositeurs vénitiens, Vivaldi et Reali. Leur collaboration avec la mezzo-soprano Eva Zaïcik a fait naître deux enregistrements : un recueil de cantates françaises, Venez, chère Ombre (CHOC de Classica) et un hommage à Haendel du temps de la Royal Academy à Londres (Royal Handel). Leur dernier projet discographique fait la place belle au célèbre directeur artistique du Teatro San Angelo qu’était Vivaldi avec un recueil d’airs vénitiens portés avec brio par la mezzo, Adèle Charvet (sortie prévue en avril 2023).
Le Consort est en résidence à la Fondation Singer-Polignac.