Biographies artistes 2023

Le travail de Francisco Alvarado est marqué par l’exploration du timbre à travers de la manipulation et de l’instrumentation de sons complexes qui, variés et transformés, se projettent dans le temps essayant de constituer un discours musical poétique et vivant.
L’intégration de l’espace scénique et le corps des interprètes en tant que paramètres perceptifs, l’utilisation de l’électronique comme une extension des sonorités des instruments ou l’exploration de passerelles entre la partition écrite et l’improvisation, sont les lignes directrices de sa démarche musicale. 

Il a étudié la composition à l’Universidad Católica de Chile, puis au Conservatoire Supérieur de Musique et de Danse de Paris, dans la classe de Stefano Gervasoni. La rencontre avec Gervasoni, ainsi qu’avec d’autres compositeurs comme Alberto Posadas, Philippe Manoury, Hèctor Parra ou Brian Ferneyhough, a été très importantes pour façonner un langage personnel et un projet musical original. Entre 2013 et 2015 il suit les formations Cursus 1 & 2 de l’IRCAM, à Paris. 

Il collabore régulièrement avec des artistes de sa génération, concevant des projets qui rejoignent des questions communes. Il a travaillé avec Florentin Ginot, Angèle Chemin, Marie-Claudine Papadopoulos, Carlos Franklin, Standardmodell, Achtung, les ensembles C Barré, Linéa, Maja et la compagnie de théâtre La Phenomena, Comet Musicke, entre autres. 

Il a été lauréat de l’Académie du Festival Musica et a reçu le prix CMDC à l’académie INJUVE, à Madrid. Ses pièces ont été commandées par la Fondation Royaumont, Radio France, le quatuor Diotima, le Conservatoire National de Musique et de Danse de Paris, le Festival Messiaen, l'ensemble United Instruments of Lucilin, le Ministère de la Culture et de la Communication de France, l’Ensemble C Barré, le GMEM de Marseille, l'IRCAM et le Festival Musica. Il a été artiste en résidence de la Fondation Camargo à Cassis en 2017 et de l'ensemble Lucilin, l'ExperimentalStudio de la SWR et le GMEM de Marseille entre 2019 et 2021.

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Originaire de Cannes, Blanche débute le violoncelle à l’âge de quatre ans. Afin de poursuivre ses études musicales, elle se dirige vers Paris pour finalement intégrer le CNSMD en 2019 dans la classe d’Emmanuelle Bertrand. Elle se perfectionne en même temps auprès de grands professeurs à travers l’Europe (dont Johannes Moser, Troels Svane, etc.). Généreuse et enjouée, Blanche aime partager sa musique, particulièrement à travers la musique de chambre (allant du duo aux grands ensembles) ainsi qu’auprès d’un public avec lequel elle apprécie de nouer des liens rapprochés. L’enseignement tient aussi une grande place dans la personnalité artistique de Blanche. Elle intègre sur concours en 2022 une formation en vue d’obtenir le Certificat d’Aptitude (le CA, plus haut diplôme d’enseignement musical français).

Outre cela, elle entreprend des projets tels que la création d’un nouveau festival de musique en tant que directrice artistique. La première édition se déroulera en août 2023.

Enfin, Blanche continue d’étudier le piano en plus du violoncelle car elle aime le timbre et le répertoire de cet instrument qui lui apportent beaucoup.

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Autant musicologue que violoncelliste, Martin Barré poursuit actuellement un master de musicologie au Conservatoire de Paris dans les classes d’esthétique et d’histoire de la musique. Ce cursus lui permet de mettre au jour, à travers un mémoire, le violoncelliste Nicolas-Joseph Platel. Il procède, la même année, au dépouillement d’un fond de musique de scène inédit conservé à la bibliothèque de Versailles et en fait le sujet de son mémoire d’histoire de la musique intitulé Dans l’ombre de Paris : La musique de scène au début du XIXe siècle au théâtre de Versailles. Il travaille actuellement sur la réception des Suites pour violoncelle de Bach au XIXe siècle ainsi que sur la peur de la scène des artistes lyriques à Paris au XIXe siècle. Ses travaux en musicologie sont récompensés en 2020 par l’attribution du Prix Monique Rollin de la Fondation de France et il fait partie des lauréats de la bourse SYLFF 2022/2023 attribuée par la Tokyo Foundation for Policy Research pour le projet Stage fright through history: when the past serves the present. 

Passionné par la transmission, il donne depuis plusieurs années des cours d’histoire de la musique au sein d’une association à Montfort l’Amaury et intègre, à la rentrée 2020, l’association ComposHer, qui participe à la revalorisation des compositrices, et pour laquelle il écrit des critiques de disques et crée des playlists. 

Il étudie parallèlement le violoncelle au Pôle Supérieur de Paris-Boulogne, le violoncelle baroque au CRR de Paris ainsi que le quatuor à cordes au Conservatoire de Lyon.

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Elue « Soliste instrumentale de l’année » aux Victoires de la Musique en mars 2022 (ex æquo avec sa consœur Sol Gabetta), personnalité rayonnante et généreuse, Emmanuelle Bertrand est une figure incontournable du violoncelle européen.
Formée aux Conservatoires Nationaux Supérieurs de Musique et de Danse de Lyon et Paris dans les classes de Jean Deplace et Philippe Muller, lauréate de nombreuses distinctions et concours internationaux, élue « artiste de l’année » par le magazine Diapason et les auditeurs de France Musique en 2011, elle avait été révélée au grand public en recevant une première Victoire de la Musique en 2002.
À 25 ans elle renconre le le compositeur, Henri Dutilleux, qui parle d'elle, comme d'une « véritable révélation ». Elle est depuis dédicataire d’oeuvres de Nicolas Bacri, Édith Canat de Chizy, Pascal Amoyel, Bernard Cavanna, David Lampel, Thierry Escaich ou Benoît Menut. Elle a également donné en première mondiale Chanson pour Pierre Boulez de Luciano Berio.
C’es à cette période également qu’elle constitue un duo avec le pianiste Pascal Amoyel, son partenaire à la ville comme à la scène, avec lequel elle défend avec ferveur autant d’œuvres oubliées que de grand répertoire.
Passionnée par les liens entre la musique et le verbe, elle travaille en étroite collaboration avec Laurent Terzieff sur des textes de Jean-Pierre Siméon. En 2005 elle co-écrit et joue avec Pascal Amoyel Le Block 15 ou la Musique en résistance mis en scène par Jean Piat. En 2011, elle crée Le violoncelle de guerre en hommage à Maurice Maréchal et à son violoncelle fabriqué à quelques pas des tranchées en 1915. Elle part en tournée avec ce programme jusqu’en 2018 tour à tour avec Didier Sandre, Christophe Malavoy, Francis Perrin, François Marthouret ou Richard Bohringer. En 2020, Robin Renucci lui confie le rôle d’Agafia dans Oblomov de Gontcharov (Tréteaux de France), lui offrant de concilier les rôles de comédienne et de musicienne.
Elle se produit régulièrement en tant que soliste, notamment avec avec l’Orchestre Symphonique de Lucerne, l'Orchestre Symphonique du Grand Montréal, l’Orchestre National d'Ukraine, l’Orchestre Symphonique d’État de Moscou, le BBC National Orchestra of Wales, l’Orchestre Symphonique de Busan (Corée), l’Orchestre Musica Vitae de Suède, l’Orchestre Symphonique de Québec, l’Orchestre Symphonique de la RTV de Slovénie, l’Orchestre Symphonique de Wuhan (Chine), les Orchestres Nationaux de Lille, d’Ile de France, de Lorraine, les Orchestres Philharmoniques de Strasbourg, de Monte Carlo...
La saison 2021/22 marque la création d’un nouveau spectacle musico-littéraire d’après Vingt quatre heures de la vie d’une femme de Stefan Zweig (mis en scène par Laurent Fréchuret, aux côtés du comédien Gilles Chabrier et de l’Ensemble Sylf) et la parution d’un disque consacré aux Sonates et Lieder de Brahms (Harmonia Mundi - Choc de Classica) qui marque le vingtième anniversaire du duo qu’elle forme avec le pianiste Pascal Amoyel.
Elle est directrice artistique du Festival de violoncelle de Beauvais depuis 2012.
Professeure de musique de chambre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris depuis 2008, elle est également nommée professeure de violoncelle en 2022, devenant la première femme nommée professeure de violoncelle dans l’histoire de l’établissement fondé en 1795.

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Olivier Calmel est un compositeur, orchestrateur et pianiste interprété par de nombreux solistes et orchestres, lauréat de plusieurs concours et distinctions : Grand prix Sacem de la musique symphonique, Grand Prix International Académie Charles Cros, Prix de composition au Concours national de jazz de la Défense, Premier Prix Festival Jazz à Vannes, Jerry Goldsmith Award. 

Des commandes sont à l'origine de la plupart de ses œuvres qui sont jouées par de nombreux solistes, ensembles et orchestres (Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre national d’Île-de-France, Opéra de Massy, Festival de Beauvais, Violons de France, Orchestre National de Bretagne, Maîtrise de Radio France, OSR, Ensemble Nouvelles Portées, Chœur Vittoria d'Île-de-France, Ensemble Links, Paris Brassband, et bien d’autres). 

Ses œuvres sont notamment interprétées au Théâtre du Châtelet, Salle Pleyel, Philharmonie de Paris, Auditorium de Radio France, 104, Cité de la Musique, Théâtre de la Ville, Grand T de Nantes, Opéra de Rennes, Théâtre du Beauvaisis, Maladrerie, Kursaal de Dunkerque, MégaCité d’Amiens, ainsi qu’aux États-Unis (New York Symphony Space, Ohio, Kentucky, Pittsburg Heinz Hall), en Europe (Londres, Lisbonne, Genève, Lausanne, Annemasse, Innsbruck, Zagreb National Theatre, Dnipro Academic Opera and Ballet Theater), en Asie (Pékin, Pingtung, Tokyo, Osaka, Nagoya). 

Passionné depuis longtemps par la musique de film et le rapport musique image, il compose la musique de documentaires, courts et moyens métrages, films d’animation et institutionnels, ainsi que des musiques de jeux vidéo. En tant que pianiste il se produit dans de nombreuses salles et festivals (Théâtre du Châtelet, Enghien Jazz Festival, Jazz à Vannes, Jazz à Arras, Musiques au Présent, Jazz à Montmartre, Jazz en Nord, MusicaJazz, Festival Klasik, etc.), et est amené à collaborer avec de nombreux artistes (Michel Portal, Pierre Arditi, Vincent Peirani...) et de nombreux directeurs musicaux. 

Professeur d'orchestration au conservatoire Paul Dukas à Paris, il est régulièrement invité à donner des master classes et des conférences. Le catalogue de ses œuvres comporte de nombreux ouvrages d’orchestre et de musique de chambre, des œuvres vocales, du jazz, des musiques de films et des pièces pédagogiques. Il partage ses activités entre des commandes pour des solistes, des ensembles contemporains et des orchestres, la composition et l’orchestration de musiques pour des films et le jazz. Olivier Calmel est Chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres.

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David D’Hermy, professeur de Formation, Analyse et Culture Musicales au CRD du Beauvaisis
 

David d'Hermy débute ses études musicales à Beauvais dans les années 1980. Il se forme ensuite aux Conservatoires Nationaux de Région de Boulogne-Billancourt et de Paris, et accomplit parallèlement un cursus complet de musicologie à l’Université de Paris IV-Sorbonne.

En 1992, il entre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans les classes d’érudition d’Alain Louvier, Rémy Stricker, Yves Gérard, Alain Poirier et Brigitte François-Sappey où il obtient plusieurs récompenses (Premier prix d’Analyse, Premier prix d’Esthétique, Diplôme de Formation Supérieure d’Analyse et de Culture Musicales mention Très Bie, etc.).

Passionné par tout ce qui a trait à la connaissance de la musique, à son apprentissage et plus généralement à sa transmission, il a collaboré avec Radio-France et la Cité de la Musique à la rédaction des programmes de salles et a coordonné un cycle de conférences et de concerts au sein du CRD du Beauvaisis pendant plusieurs années. Se consacrant toujours au développement culturel du territoire, il contribue actuellement à la conception et à la réalisation de nombreuses actions musicales (institutionnelles, festivalières, associative, etc.) comme organisateur, conférencier ou chef de chœur.

David d’Hermy enseigne la Formation, l’Analyse et la Culture musicales au Conservatoire à Rayonnement Départemental du Beauvaisis depuis 1994 et intervient régulièrement au Conservatoire à Rayonnement Régional de Cergy-Pontoise. Il a créé récemment et anime pour le CRD « Une heure avec… », un cycle de conférences ouvertes à tous permettant de découvrir une œuvre, un compositeur, un style, une époque... par séance de manière vivante.

Il collabore étroitement avec le Festival de Violoncelle de Beauvais depuis 2011.

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Laurelenn Denjean commence le violoncelle à l'âge de sept ans et intègre trois ans plus tard le Conservatoire de Toulouse pour étudier avec Blandine Boyer.
Après un DEM obtenu à l'unanimité du jury, Laurelenn est admise en 2019 au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans la classe de Michel Strauss, puis d’Emmanuelle Bertrand pour son Master. 

Durant ses études, elle reçoit les conseils de violoncellistes reconnus tels que Pieter Wispelwey, Lluis Claret, Jérôme Pernoo, François Salque, Ophélie Gaillard, lors de stages et de Master Class. Elle participe alors à des concours tels que le concours Vatelot Rampal auquel elle remporte le premier prix à l'unanimité du jury. 

Ses rencontres musicales lui permettent de jouer dans diverses formations de musique de chambre (trio, quatuor, quintette avec clarinette, avec piano, sextuor, etc.). 

Passionnée d'orchestre, elle a l'opportunité de faire des remplacements au sein d’orchestres professionnels notamment avec l’Orchestre national de Lille, l’Orchestre de la Nouvelle Europe et de travailler sous la direction de grands chefs parmi lesquels Adrian McDonnell, Philippe Ferro, Ludovic Morlot, Pierre Bleuse, Jean-Claude Casadesus, Marco Guidarini (avec qui elle a l'occasion de s'initier à l'opéra) ; elle a la chance également de se produire dans diverses salles de concert (Halle aux Grains, Philharmonie de Paris, etc.) ainsi que d'accompagner des solistes tels que les pianistes Bertrand Chamayou ou David Kadouch.

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Baigné dans la musique depuis son enfance, Noé débute le violoncelle à 6 ans avec Matthieu Lejeune au CRD du Val d’Yerres. Huit ans plus tard, il y obtient successivement le C.E.M. de violoncelle (classe de Caroline Boïta) et le C.E.M. de musique de chambre (classes d’Yves Pruvot et de Sergueï Kouznetsov), tous deux avec les félicitations du jury, en juin 2015. Il décide alors de se consacrer à sa passion et de devenir violoncelliste. En juin 2017, il obtient le D.E.M. de violoncelle et de musique de chambre, là encore avec les félicitations du jury.

Il intègre la classe de violoncelle de Christophe Oudin au C.R.R. de Saint-Maur en octobre 2017 et obtient le D.E.M. mention très bien à l’unanimité.

En 2019 il entre au CNSM de Paris où il poursuit son apprentissage dans la classe Raphaël Pidoux. Il y obtient sa licence mention très bien à l'unanimité 3 ans plus tard.

Actuellement en master dans la classe d'Emmanuelle Bertrand, il a l’opportunité de jouer avec l'Orchestre Philarmonique de Radio France (lauréat de l'académie) sous la direction des chefs Andres-Orozco Estrada ou encore Mikko Franck et régulièrement avec l'ONDIF.

Noé est le violoncelle n°5 de « Cello8 », l’octuor créé par Talents & Violon’celles, en 2020, avec lequel il a enregistré l’album « Ode à la nuit » sous le label Mirare et a réalisé la tournée de concerts 2021/2022, jusqu’à La Folle journée de Nantes 2023.

Il joue sur un violoncelle de Joël Klepal construit en 2018, prêté par Talents & Violon’celles sous le mécénat de la fondation AG2R La Mondiale pour la vitalité artistique.

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Talent précoce, Anne Gastinel entre au CNSMD de Lyon à onze ans. Yo-Yo Ma, János Starker et Paul Tortelier, auprès desquels elle se perfectionne ensuite et qui marqueront profondément son évolution personnelle et musicale, reconnaissent déjà en elle la maturité d’une artiste à part. Elle remporte de nombreux prix dans les grands concours internationaux (Scheveningen, Prague, Rostropovitch) et commence dès lors à se produire dans toute l’Europe, définitivement révélée au grand public lors du Concours Eurovision 1990. Reconnue par les plus grands comme l’ambassadrice du violoncelle, elle est choisie en 1997 par Marta Casals Istomin pour jouer pendant un an le mythique Matteo Goffriller de Pablo Casals.

En 2006, Anne Gastinel a reçu la Victoire de la musique dans la catégorie « Soliste de l’année » (après avoir obtenu les trophées « Jeune Talent » et « Meilleur enregistrement »).

Sa carrière l’emmène dans les plus belles salles et festivals de tous les continents (Schauspielhaus, Théâtre des Champs-Élysées, Philharmonie de Paris, Musikverein, Suntory Hall, Théâtre du Châtelet, Victoria Hall, Wigmore Hall, Auditorium de Lyon, Concertgebouw d’Amsterdam, etc.), en récital, musique de chambre et aux côtés des plus grands orchestres français et étrangers. Elle s’y produit aux côtés de grands maîtres : Yehudi Menuhin, Mstislav Rostropovitch ou Kurt Sanderling ; elle retrouve également au cours de ses voyages les musiciens et compositeurs avec lesquels elle aime échanger : Emmanuel Krivine, Daniele Gatti, Pinchas Steinberg, Krzysztof Penderecki, Michel Plasson, Alexandre Bloch, Paavo Järvi.

En musique de chambre, elle partage la scène avec Claire Désert, avec qui elle a enregistré de nombreux albums (Poulenc, Franck, Schubert, Schumann, Chopin, etc.), avec le Quatuor Hermès, Nicholas Angelich et Andreas Ottensamer, David Grimal et Philippe Cassard, Xavier Phillips ou encore les violoncelles français.

Depuis près de trente ans, ses enregistrements sont couronnés des plus hautes distinctions. En 2018, son enregistrement (Naïve) consacré au Triple Concerto de Beethoven avec Nicholas Angelich, Gil Shaham, Paavo Jarvi et l'Orchestre de la Radio de Francfort a reçu le « Choc » du Magazine Classica. L’intégrale des trios de Beethoven sortie en 2020 chez La Dolce Volta avecDavid Grimal et Philippe Cassard remporte un Diapason d’or et un Choc Classica. Son dernier album sorti en 2021 chez Naïve est consacré à Chopin, en duo avec Claire Désert.

Anne Gastinel joue un violoncelle Testore de 1690.
Elle est professeur au CNSMD de Lyon depuis 2003, et à l’Académie Jaroussky depuis 2022.

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Elle a étudié au Lycée Toho Gakuen School of Music de Tokyo avec le professeur Sumiko Kurata. En 2019, elle est arrivée en Suisse et entrée à la Haute École de Musique de Lausanne dans la classe de Xavier Phillips. Elle a été sélectionnée à l’Académie de l’Orchestre de chambre de Lausanne 2020/22.Elle se produit en soliste aux côtés de nombreux orchestres au Japon. Elle suit des masterclasses avec différents violoncellistes, Philippe Muller, Arto Noras, Tsuyoshi Tsutsumi, Frans Helmersson, Jean-Guihen Queyras.
En 2022, elle est admise au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans la classe d’Emmanuelle Bertrand.

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A l’origine trompettiste, formé notamment aux côtés d’Ibrahim Maalouf, Sylvain Leclerc va développer de nombreuses aptitudes musicales et se produire très rapidement en concert parfois appelé à l’étranger pour y faire des récitals de trompette (Pays-bas, Angleterre, Belgique, Etats-Unis, Japon). Mais c’est du côté de l’orchestre qu’il se tourne et se trouve une passion pour la musique symphonique et l’opéra.
Après avoir étudié la direction d’orchestre à Lille et à Evry, il entre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris et y étudie l’histoire de la musique, l’analyse, l’écriture musicale et la direction d’orchestre. Parallèlement à ses études, de nombreuses opportunités professionnelles et musicales s’offrent à lui et il va créer l’Orchestre Ecorce avec lequel il va se distinguer tant à la direction qu’à la composition en France comme à l'étranger.
Passionné par l’enseignement, Sylvain Leclerc poursuit également sa carrière pédagogique et est nommé directeur de conservatoire en 2017. Il s’investit dans des stages internationaux comme le Touquet International Music Master (TIMM), alors assistant du chef George Pehlivanian ou l’Académie internationale de musique de Gérardmer en tant que chef d'orchestre. Il sera nommé président de la Fédération Musicale de Seine-et-Marne en 2018 puis de la région Île-de-France en 2019 et commencera également à travailler pour le projet DEMOS à la Philharmonie de Paris en tant que chef d’orchestre. Il a également été nommé chef assistant de l’orchestre des Sapeurs-pompiers de la ville de Paris.
Aujourd’hui à la tête de nombreux orchestres, il acquiert une grande connaissance du répertoire symphonique traditionnel et mène de front une double carrière de pédagogue et de musicien international.
Il vient, tout récemment, d'être nommé Chef Assistant de l'Orchestre des Pompiers de Paris à l'issue du concours organisé pour ce recrutement.

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Curieux insatiable, passionné par la littérature et le cinéma mais aussi par les arts asiatiques, tout est source d’inspiration et contribue à nourrir l’univers artistique et musical de Mickaël Lipari-Mayer.

Il naît d’une mère franco-hongroise et d’un père sicilien. Il commence le piano à cinq ans avec Pascal Amoyel qui l’invite l’année suivante à donner son premier concert à la salle Cortot à Paris dans le cadre de son Juniors Festival. Il intègre ensuite le CRR de Paris dans la classe de Billy Eidi et y étudie jusqu’à l’obtention de son Prix de fin d’étude.

Souhaitant approfondir sa démarche artistique et personnelle, Mickaël quitte la France à dix-sept ans afin de travailler avec des professeurs d’école et de tradition différente de la sienne. Il déménage donc à Montréal au Canada, invité par Dang Thaï Son (gagnant du Concours Chopin) à rejoindre sa classe à l’université de Montréal. Il y obtient, au cours des cinq années qui suivent, sa Licence ainsi que son Master d’interprétation. C’est auprès de Stanislav Ioudenitch (gagnant du Concours Van Cliburn) qu’il continue son apprentissage, cette fois à Kansas City aux États-Unis, jusqu’à l’obtention de son Diplôme d’Artiste. Au cours de ces années, Mickaël a également l’occasion de travailler avec des artistes invités de tous les horizons tels que Martino Tirimo, William Grant Naboré, Jean-Philippe Collard, Dmitry Bashkirov.

En 2019, Mickaël rentre dans son pays natal. À la recherche d’autres formes de concert, il se produit peu après son retour dans une lecture musicale du De Profundis d’Oscar Wilde, sacrée TTT par Télérama, au théâtre du Ranelagh à Paris.

Passionné par le travail avec la voix, il forme depuis 2019 un duo avec la soprane Manon Lamaison. Leur duo a été récompensé par Jeunes Talents en 2021 et par le Prix Mailliard lors du Concours d’ensemble Européen de la FNAPEC en 2022.

Toujours habité par son besoin d’explorer les arts de façon moderne et originale, il fonde en 2021 le Melting Art Project (M.A.P.) avec son oncle auteur-réalisateur Zoltán Mayer, la peintre Li-Yang Boreux et la compositrice Lanqing Ding ; un collectif d’artistes ayant pour mission la réflexion sur la perméabilité entre les arts et avec qui il propose divers projets sur ce thème.

Récemment, Mickaël s’est produit à La Cathédrale Saint-François Xavier de Chicoutimi (Canada), à l’institut Liszt à Paris, au Théâtre de Bry-sur-Marne, au Théâtre de l’Alliance Française, etc.

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Xavier Phillips débute le violoncelle à l’âge de six ans. Il remporte plusieurs prix internationaux, puis, sa rencontre avec Mstislav Rostropovitch est déterminante et marque le début d’une longue collaboration. 

Xavier Phillips est rapidement invité à se produire sur les plus grandes scènes internationales avec des orchestres prestigieux : New York Philharmonic, Washington National Symphony Orchestra, Mariinsky Orchestra, Chicago Symphony Orchestra, Orchestre de la Suisse Romande, Orchestra Filarmonica della Scala, Orchestre de Paris, Orchestre National de France, Orchestre Philharmonique de Radio France, Berliner Symphoniker, Rundfunk Sinfonieorchester Berlin, Seattle Symphony Orchestra etc. Il est dirigé par des chefs illustres tels que son mentor Mstislav Rostropovitch mais aussi Riccardo Muti, Valery Gergiev, Christoph Eschenbach, James Conlon, Marek Janowski, 

Vladimir Fedosseyev, Ion Marin, Jesus Lopez-Cobos, Vladimir Spivakov, Kurt Masur... 

Il réserve également une place privilégiée à la musique de chambre qu’il aime partager avec des artistes tel que Schlomo Mintz, François-Frédéric Guy, Tedi Papavrami, Jean-Marc Phillips-Varjabédian, David Grimal, Emmanuel Strosser, Igor Tchetuev. Il est notamment l’invité du Wigmore Hall, de l’Arsenal de Metz, du Théâtre du Mariinsky, du Théâtre des Champs Elysées, de la Philharmonie de Paris, du Victoria Hall de Genève, et de festivals de renom tels que le Festival de violoncelle de Kings Place de Londres, le Printemps des Arts de Monte Carlo, le Festival Berlioz de la Côte Saint-André, ainsi que le Festival de Pâques d’Aix-en-Provence. 

Dans la saison 2022/23, Xavier Phillips partira en tournée avec l’Orchestre de Bienne Soleure en Allemagne et en Suisse dans le concerto de Haydn. Il se produira à l’Arsenal de Metz dans le concerto pour violoncelle n°2 de Chostakovitch ainsi qu’à la Philharmonie de Paris pour un concert de musique de chambre en hommage à Marguerite Duras. 

En 2015, il fait paraître un enregistrement de l’intégrale de la musique pour violoncelle et piano de Beethoven avec le pianiste François-Frédéric Guy (Aparté/Evidence). L’album reçoit des critiques dithyrambiques des plus prestigieux magasines internationaux parmi lesquels Gramophone « Editors Choice », The Strad « Recommends ». Cet enregistrement est par ailleurs inclus par le magazine Gramophone parmi leur sélection des « 50 plus beaux enregistrements Beethoven de la discographie ». 

Ses derniers disques avec orchestre sont consacrés au 1er Concerto de Chostakovitch avec Les Dissonances et au Concerto pour violoncelle « Tout un monde lointain » d'Henri Dutilleux avec le Seattle Symphony Orchestra (direction Ludovic Morlot). L’enregistrement est nommé trois fois aux Grammy Awards 2015, auxquels Xavier Phillips est, lui, nommé en tant que « Best Instrumental Solo ». 

Xavier Phillips occupe depuis 2013 un poste de Professeur à la Haute Ecole de Musique de Sion, site de Lausanne. Il joue un violoncelle de Matteo Gofriller de 1710. 

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Jeune artiste habitué des grandes scènes, Thibaut a déjà pu se produire aux Victoires de la musique. Il enseigne le violoncelle aux Jeunes Apprentis de l ’Académie Jaroussky tout en assumant de nombreux concerts en soliste et formations variées (trio, quatuor, duos de violoncelles...) en France comme à l’étranger, et a collaboré avec de nombreux ensembles et festivals (Les Siècles, La Chapelle Harmonique, Artarserse, Le Concert de la Loge, la Cappella Mediterranea, L’Orchestre de l'Opéra Royal de Versailles, Appassionato, festivals du Forez, Ambronay, Festival Ravel, Musique à la Ferme, Actus Humanus (Gdansk), 1001 Notes, etc.).

Après un cursus au Conservatoire de Boulogne-Billancourt, Il intègre le CNSM de Paris dans la classe de Marc Coppey, Pauline Bartissol et Eric-Maria Couturier, ainsi que la classe de Christophe Coin et Bruno Cocset pour le répertoire ancien. Il a poursuivi une formation d’Artist Diploma avec le violoncelliste Giovanni Gnocchi au Mozarteum Salzburg et s’est perfectionné avec Christian-Pierre La Marca, en tant que Jeune Talent de la Promotion Vivaldi de l’Académie Jaroussky.

En parallèle, Thibaut Reznicek a étudié en classe préparatoire au Lycée Louis-Le-Grand de Paris où il a assumé la direction artistique de l’Association Musica-Louis-Le-Grand chargée d’animer la vie musicale au sein de l’établissement avant de continuer une Licence de lettres classiques à la Sorbonne. Il est également Grand Prix de l’Académie Ravel 2017, boursier du Mécénat Société Générale et lauréat de la Fondation Royaumont, lauréat du concours international Aponte (Tenerife)

Très intéressé par l’histoire de son instrument, Thibaut mène des recherches actives afin de réhabiliter et éditer le répertoire oublié pour violoncelle. Il a aussi redécouvert et enregistré une sonate de Boccherini, ainsi que diverses pièces du baroque tardif et du romantisme.

Sa récente discographie comprend un CD consacré à la musique de chambre avec orgue (« Choc » du magazine Classica) ainsi qu’un album de duos de violoncelles avec son partenaire Raphaël Jouan. Il vient de faire paraître auprès du label 1001 Notes un album pour violoncelle, "Le Chant des Oiseaux".

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Né dans un univers familial littéraire et artistique, le violoncelliste Louis Rodde se forme auprès de Philippe Bary et Philippe Muller avant d’étudier au Conservatoire de Paris dans la classe de Roland Pidoux et Xavier Phillips, auprès de Peter Bruns à Leipzig, puis de Clemens Hagen à Salzburg. Il rencontre au cours de ces années d’études de très grands artistes auprès desquels il développe sa compréhension de la musique et sa personnalité : les musiciens du quatuor Ysaÿe, l’altiste Hatto Beyerle, les pianistes Jean-Claude Pennetier, Menahem Pressler, Ferenc Rados. 

Il fonde en 2010 le Trio Karénine avec lequel il se distingue lors de nombreux prix à Vienne, Heerlen, Paris avant de remporter le concours de l’ARD de Munich en 2013. Avec la pianiste Paloma Kouider et depuis 2021 la violoniste Charlotte Juillard, il parcourt les plus belles scènes d’Europe, d’Asie et d’Amérique du Nord. 

Riche de son expérience en trio, il multiplie les rencontres musicales : au sein de l’Ensemble à géométrie variable Carousel dont il est le violoncelliste et notamment avec sa fondatrice la clarinettiste Annelien Van Wauwe, et avec la violoniste Alexandra Soumm, la soprano Karen Vourc’h, le clarinettiste Raphaël Sévère, les pianistes Gwendal Giguelay et Anne Le Bozec, la Chanteuse Noëmi Waysfeld et la violoncelliste Juliette Salmona, les quatuors Zaïde, Akos et Girard. 

Nommé «Révélation classique » de l'Adami et lauréat de la Fondation Cziffra, il est l’invité de salles telles que le Musikverein (Vienne), le Konzerthaus (Berlin), le Concertgebouw (Amsterdam), la Philharmonie, le Théâtre des Bouffes du Nord, l’Auditorium du musée du Louvre (Paris), l'Auditorium de la Cité Interdite (Pékin), la Herkulessaal (Munich), la Salle Molière (Lyon), le Wigmore Hall (Londres), la Herkulessaal (Munich), la Salle Bourgie (Montréal), l’auditorium de la Frick collection (New-York), le CCK (Buenos-Aires), Flagey (Bruxelles). 

Il se produit dans de nombreux festivals parmi lesquels le Festival de Schwetzingen, les Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, la Folle Journée de Nantes, Tokyo et Varsovie et les Festivals de Pâques à Aix-en-Provence, de la Roque d’Anthéron, Cordes-sur-Ciel, Prades, Chambord. Il joue en solo avec la Neue Philharmonie Westphalen, le Polish Chamber Orchestra, l’Orchestre de Caen, l’Orchestre des Jeunes d’Ȋle de France, l’Orchestre Philharmonique du Liban, l’Orchestre de Mulhouse... 

Louis fait paraître une discographie éclectique, saluée par la critique (Choix de France Musique, 5 Diapasons, Choc Classica, Gramophone, Pizzicato, etc.) : les sonates de Fauré et Ropartz avec le pianiste Gwendal Giguelay (NoMadMusic 2016), les Trios de Schumann (2016) de Ravel, Fauré et Tailleferre (2018), et un album slave Chostakovitch, Weinberg, Dvorak (2019) avec le trio Karénine (Mirare). Il collabore avec la Soprano Karen Vourc’h pour une mise en miroir des univers de Schubert et Duke Ellington (B records 2019). En 2021 paraît le nouveau disque du Trio Karénine (Mirare), un programme de transcriptions d’œuvres de Schönberg, Liszt et Schumann pour trio, puis en 2023 un album consacré aux trio de Dvorak et Suk. 

Il s’investit au sein des associations Esperanz’Arts et Fous de musique en France et part jouer en Haïti, au Sénégal, au Liban auprès de ceux qui n’ont pas la chance de vivre avec la musique au quotidien. 

En 2021, il est nommé professeur de musique de chambre au Conservatoire Supérieur de Musique et de Danse de Paris. 

Louis a été filleul de la Fondation Accenture de 2012 à 2016, et a reçu le soutien de l’Académie musicale de Villecroze. Il joue un violoncelle de Miremont prêté par le Fonds Instrumental Français et un archet de Pierre Simon.

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Violoncelliste passionnée, Juliette Salmona joue dans le Quatuor Zaïde depuis sa création en 2009 et poursuit une carrière internationale avec cette formation. 

Leur talent est couronné de nombreux prix dans des concours internationaux (Premier prix du concours Haydn à Vienne en 2012, premier pris du concours international de Pékin en 2011, Prix de la presse du concours de Bordeaux en 2010, Lauréat ARD en 2012). 

Leur discographie chez NoMadMusic saluée par la critique. Les trois derniers albums du Quatuor ont remporté chacun un CHOC Classica et de nombreuses distinctions de la presse. En parallèle, Juliette aime se diversifier et mener plusieurs projets éclectiques, notamment en duo avec le guitariste Benjamin Valette, en duo avec la pianiste Katherine Nikitine, ou encore en soliste avec la compagnie la Tempête et en trio avec la chanteuse Noëmi Waysfeld et le violoncelliste Louis Rodde. Musique classique, contemporaine, musiques du monde ou chansons : toutes ces différentes esthétiques artistiques nourrissent la musicienne qui y puise son inspiration, explorant ainsi les multiples possibilités de son instrument. 

C’est dans la classe de Marcel Bardon que Juliette a appris le violoncelle, avant d’entrer au CNSMDP dans les classes de Jean-Marie Gamard et Jérôme Pernoo.Passionnée par l’enseignement, elle est professeure de violoncelle au CRR de Paris. De plus, elle anime régulièrement, seule ou avec le quatuor Zaïde, des ateliers pédagogiques autour de ses programmes de concert. 

Juliette joue un violoncelle Miremont de 1976 et un archet de John Dodd.

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Premier Prix et plusieurs fois Prix Spécial du concours international K. Penderecki, Astrig Siranossian se produit en soliste avec de grands orchestres. Invitée régulièrement par Daniel Barenboïm, ses partenaires sur scène ne sont pas moins que Simon Rattle, Martha Argerich, Yo-Yo Ma, Kirill Gernstein, Elena Bashkirova, Emmanuel Pahud.

Elle se produit régulièrement sur les plus grandes scènes : Philharmonie de Paris, Carnegie Hall à New-York, Musikverein de Vienne, Walt Disney Hall à Los Angeles, KKL Luzerne, Casino de Bâle, Théâtre des Champs Élysée, Philharmonie de Berlin, Flagey Bruxelles, Théâtre Colon Buenos Aires , Kennedy Center Washington..

Régulièrement invitée sur les chaînes de télévision (TF1, France 2, France 5, CultureBox TV, BR Kultur, etc.), ses enregistrements sont salués unanimement par la presse.

En mai 2022, Astrig fait ses débuts au Gewandhaus de Leipzig avec le Concerto n°2 en mi mineur de Popper. En octobre 2022 sort son album Duo-Solo, rencontre entre mélodies et danses populaires et répertoire savant faisant dialoguer le violoncelle et la voix.

En 2021, elle grave avec son partenaire de scène Nabil Shehata, le premier concerto de Saint-Saëns pour le label Alpha Classics.

Pour ce même label, est publié en 2020 l’album « Dear Mademoiselle », un hommage à Nadia Boulanger, avec les pianistes Nathanaël Gouin et Daniel Barenboïm, qui reçoit les hommages de la presse internationale.

En 2018, son enregistrement réunissant les concertos de Penderecki et Khachaturian remportait notamment 5 diapasons, 5 étoiles Classica, Clef du mois ResMusica, etc. Le précédent disque comportant des œuvres de Gabriel Fauré, Francis Poulenc et Komitas avait reçu le prix Musica.

Depuis 2016, elle prend la direction artistique des « Musicades », festival de sa ville natale, Romans-sur-Isère qui met en miroir la musique avec les arts mais aussi la gastronomie.
Elle crée en 2019 la mission « Spidak Sevane » qui vient en aide aux enfants au Liban et en Arménie à travers la musique.

Astrig Siranossian naît dans une famille de musiciens. Admise au C.N.R. de Lyon, elle poursuit ses études au C.N.S.M. de Lyon, obtenant à dix-huit ans son diplôme d’études supérieures avec les félicitations du jury. C’est en Suisse, au Conservatoire supérieur de Bâle, qu’elle achève sa formation dans la classe d’Ivan Monighetti, réussissant avec les plus hautes distinctions son master concert et son master soliste.

Elle joue un violoncelle de Francesco Ruggieri de 1676, généreusement prêté par la Fondation Boubo Music.

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Antoine débute le violoncelle à six ans avec Emmanuel Coulombel. Très vite il commence à se produire en récital et en soliste dans les concertos de Lalo, Schumann, Saint-Saëns et Bruch. Il obtient un premier prix de violoncelle à l’unanimité dans la classe d’Emmanuelle Bertrand avant de poursuivre ses études musicales au Conservatoire Royal de Bruxelles dans la classe de Didier Poskin. Il bénéficie régulièrement des conseils de Philippe Müller mais aussi d’Éric-Maria Couturier, Ophélie Gaillard, Astrig Siranossian et du quatuor Voce. Il se passionne également pour la musique contemporaine et a donné la première mondiale « Mourning » de Guy Bacos, œuvre pour violoncelle, orchestre et chœur de femmes avec l’Orchestre Universitaire de Picardie pour le concert des 800 ans de la Cathédrale Notre-Dame d’Amiens. Directeur artistique de l’association « Les Cordes du Mont César », il crée des ensembles à géométrie variable et, soucieux de faire rayonner la jeunesse musicale et l’excellence, il amène la musique classique en milieu rural pour les publics parfois très éloignés des grandes salles de concerts. Antoine est au cœur de projets et de rencontres autour du violoncelle dans les zones les plus sensibles ainsi qu’à la rencontre de jeunes en centres éducatif ou pénitencier. Il s’est produit dans plusieurs festivals comme « Les Arts en vacances », « Les Concertissimes » ou encore au « Festival Musiq3 » à Bruxelles. En 2023, il est lauréat de l’«Academia Stefano Strata » de Pise et bénéficie des Masterclasses de Silvia Chiesa. Antoine joue un violoncelle de Jean Louis Prochasson fabriqué en 2022 et un archet de Sylvie Masson.

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La voix inclassable de Noëmi Waysfeld se reconnaît à son timbre chaud, rauque et d’une infinie justesse. Bercée dès le plus jeune âge par la musique classique, le jazz, la chanson et les musiques traditionnelles, elle grandit dans l’idée que la frontière entre ces genres est infime et aime collaborer avec des musiciens de tous horizons.
Elle fait ses premiers pas dans la musique professionnelle en explorant le répertoire populaire. En 2009, naît l’ensemble Noëmi Waysfeld & Blik .

Au fil de la décennie qui suit, ils enregistrent trois albums (Kalyma, Alfama, Zimlya) et donnent près de 500 concerts, réalisant un triptyque de chants d'exils salué par la critique et la presse internationale.

En 2017 Noëmi enregistre un disque de tango avec l’Ensemble Contraste et l’Orchestre philharmonique royal de Liège.

Son cinquième album Soul Of Yiddish (2021) est la synthèse de ses inspirations musicales.

Noëmi confie la réalisation, les arrangements et les compositions au guitariste Kevin Seddiki et s’entoure de Sarah Nemtanu (violon), Antoine Rozenbaum (contrebasse), ainsi que du violoncelliste Christian-Pierre La Marca pour un splendide Kol Nidrei. La presse est élogieuse, (France Inter, France Musique, Le Point, Classique mais pas has been) et le programme continue de tourner très régulièrement (Théâtre du Châtelet en novembre 2021, Théâtre de la Ville / Les Abbesses en juin 2023).

A l’instar de Sarah Nemtanu et Christian-Pierre La Marca, ses affinités particulières avec la musique classique lui permettent de rencontrer de nombreux artistes tels que le chef d’orchestre Pierre Bleuse, la guitariste Gaëlle Solal ou les musiciens du Quatuor Psophos.

Avec le pianiste Guillaume de Chassy, Noëmi crée en novembre 2018 un spectacle autour du Voyage d’Hiver de Franz Schubert mis en scène par Christian Gangneron. Le spectacle se joue en février 2020 au théâtre de l’Athénée et l’album qui sort au même moment reçoit une presse unanime : tous saluent la singularité de cette artiste qui sait garder sa voix naturelle si caractéristique dans des répertoires lyriques. En 2019, elle crée un trio pour voix et violoncelles avec Louis Rodde et Juliette Salmona autour d'œuvres qui allient subtilement les chants judéo-chrétiens espagnols, la musique de Vivaldi et déjà des chansons de Barbara.

En 2022, elle collabore une première fois avec le compositeur Fabien Cali pour la création de son cycle de mélodies pour voix et orchestre “Cueillir le Jour “ sur des poèmes de Ronsard. Elle se produit dans la même saison avec l’Orchestre National de Lyon sur un programme de chants d’Europe Centrale. Noëmi Waysfeld signe fin 2022 avec le label Sony Classical.

Son premier album sous cette nouvelle étiquette, Le temps de rêver, est consacré à des mélodies et des chansons composées sur les plus grands poèmes de la littérature française, de Baudelaire à Prévert et de Gabriel Fauré à Léo Ferré. Elle y est entourée du Quatuor Dutilleux ainsi que du pianiste David Kadouch.

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Pieter Wispelwey est autant à l'aise sur violoncelle moderne que d'époque.
Sa conscience stylistique aigüe, alliée à une interprétation vraiment originale et à une maîtrise technique phénoménale, a conquis les critiques et le public dans un répertoire allant de J.S. Bach à Schnittke, Elliott Carter et des œuvres composées pour lui. 

La carrière de Wispelwey s'étend sur cinq continents et il s'est produit en tant que soliste avec de nombreux orchestres parmi les plus importants au monde, notamment le Boston Symphony, le Dallas Symphony, le St Paul's Chamber Orchestra, le NHK Symphony, le Yomiuri Nippon, le Tokyo Philharmonic, le Sapporo Symphony, le Sydney Symphony, le London Philharmonic, le Hallé Orchestra, BBC Symphony, BBC Scottish Symphony, Orchestra of the Age of Enlightenment, Academy of Ancient Music, Gewandhaus Orchester Leipzig, Danish National Radio Symphony, Budapest Festival Orchestra et Camerata Salzburg. 

Avec des récitals réguliers à Londres (Wigmore Hall), Paris (Châtelet, Louvre), Amsterdam (Concertgebouw, Muziekgebouw), Bruxelles (Bozar), Berlin (Konzerthaus), Milan (Società del Quartetto), Buenos Aires (Teatro Colon), Sydney (The Utzon Room), Los Angeles (Walt Disney Hall) et New York (Lincoln Center), Wispelwey s'est imposé comme l'un des solistes les plus charismatiques du moment. 

Parmi les temps forts récents et à venir figurent le Concerto pour violoncelle de Haydn avec I TEMPI Kammerorchester en Suisse, le Double Concerto de Brahms avec Symfonieorkest Vlaanderen et l'Orchestre des Champs-Élysées, le Concerto pour violoncelle d'Elgar avec l'Uppsala Chamber Orchestra, la 

première nord-américaine du nouveau double de Michel van der Aa concerto Akin avec le Vancouver Symphony Orchestra et des récitals sur quatre continents. Malheureusement, son interprétation des concertos de Bach avec l'Orchestre de St Luke au Carnegie Hall de New York et une tournée avec le Ciconia Consort n'ont pas pu avoir lieu en 2020/21. 

Né à Haarlem, aux Pays-Bas, Wispelwey a étudié avec Dicky Boeke et Anner Bylsma à Amsterdam, puis avec Paul Katz aux États-Unis et William Pleeth au 

Royaume-Uni. Pieter est professeur de violoncelle à la Robert Schumann Musikhochschule Düsseldorf et au Conservatorium van Amsterdam. Il joue sur un violoncelle JB Guadagnini de 1760 et un violoncelle baroque Barak Norman de 1710. 

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GUIDE D'ÉCOUTE LALO

Crée en 2009, le SyLF est un ensemble à cordes professionnel codirigé par Jérôme Bertrand, contrebassiste et Marianne Pey, violoncelliste.

Jouant debout et sans chef d’orchestre, la direction musicale est partagée entre les musiciens : chaque violoniste, tour à tour, en fonction de l’œuvre interprétée, se voit confier le rôle de leader. Cette approche innovante de la musique classique engendre un très fort esprit d’équipe, une recherche constante de l’excellence dans l’interprétation et une grande proximité avec le public.

Fort de cette homogénéité et désireux de faire partager l’univers de la musique classique au plus grand nombre, le SyLF aborde les répertoires pour ensembles à cordes, de la période baroque au vingtième siècle, non sans s’autoriser maints détours dans la chanson française.

Acteur engagé en Région Auvergne-Rhône-Alpes, dans une démarche de diffusion et de reconquête de publics lassés par l’image élitiste véhiculée par « le » classique, le SyLF s’implique notamment dans des actions de médiation, au sein des établissements primaires et secondaires ; il offre ainsi à un jeune public la possibilité de découvrir les instruments à cordes et tout à la fois, de développer son sens artistique et son imaginaire, au travers de concerts et de moments musicaux précédemment expliqués par des « clés d’écoute. »

Riche de la forme originale de ses concerts à géométrie variable qui font de lui une formation unique, le SyLF s’est produit plus de trois cents fois, en France et à l’étranger, depuis sa création.

La qualité et l’originalité de son programme « Mozart à Paris », créé au mois de juillet 2012, à « l’Estival de La Bâtie » a permis au SyLF d’être invité en Allemagne, l’année suivante, au célèbre Festival Mozart de Schwetzingen, puis, en 2014, d’être choisi pour créer le « Requiem » de Pascal Descamps, à Paris, à la cathédrale des invalides. L’ensemble a été également invité au Festival International de Violoncelle de Beauvais, au Festival International des Arts de Saint-Agrève ainsi qu’au Festival Valloire Baroque. Le SyLF accompagne régulièrement des solistes internationaux, au nombre desquels Anne Gastinel, François Salque, Roland Pidoux, Pascal Amoyel, Romain Leleu et Emmanuelle Bertrand, grande figure internationale du violoncelle qui suit attentivement la formation depuis sa création.

Le SyLF bénéficie du soutien de la Direction Régionale des Affaires Culturelles de la Région Auvergne-Rhône-Alpes, du Conseil Départemental de la Loire, de la ville de Saint-Etienne, de Saint-Etienne Métropole, de la Région AURA, du Groupe des 20 en Auvergne-Rhône-Alpes et de Loire en Scène, réseau professionnel pour le spectacle vivant. L’ensemble est aussi membre de la FEVIS (Fédération des Ensembles Vocaux et Instrumentaux Spécialisés).

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Fondé en 2002 et composé de quatre anciens étudiants des CNSM de Paris et de Lyon, le Quatuor Leonis se distingue rapidement sur la scène internationale en remportant le 3e prix du prestigieux Concours International de Genève en 2006.

Formé par les plus grands maîtres de la discipline (Quatuors Ysaye, Debussy, Hagen, Tokyo, Berg, etc.), le Quatuor Leonis transporte aujourd’hui le riche héritage du quatuor à cordes dans des créations uniques, insolites, au croisement des disciplines artistiques. Après avoir participé au spectacle Adagio (2011, Spectacle d’Olivier Py), il décide de créer ses propres spectacles seul en scène, Eclisse Totale (2014, Mise en scène Manu Kroupit) qui a fait plus de 200 dates ou sa dernière création L’Art délicat du quatuor (2022, Mise en scène Jos Houben).

Avec Panenka, il s'associe à la Compagnie Antoinette Gomis dans un spectacle pluridisciplinaire mêlant musique, danse et football (sortie en 2024 à la Philharmonie de Paris). En parallèle, le Quatuor Leonis aime proposer des objets à mi-chemin entre le concert et le spectacle comme par exemple Cordes Electriques (2015, quatuor et électronique avec le compositeur Jacopo Baboni-Schilingi) et Leonis Variations (2021, avec le pianiste de jazz Pierre De Bethmann). Le quatuor explore aussi des formes plus littéraires avec Les Tragédiennes sont venues (2012, lecture musicale avec Olivier Py) et Les Années (2013, lecture musicale avec Ariane Ascaride).

Amoureux du grand répertoire, le Quatuor Leonis propose une intégrale-marathon des quatuors à cordes de Beethoven sur trois jours! (2023, Marathon Beethoven, Fontenay-le-Fleury)

Polyvalent, passionné et innovant le Quatuor Leonis s’inscrit dans une démarche d’ouverture et de création afin de conquérir de nouveaux publics, de sensibiliser tout en conservant une rigueur artistique appréciée des mélomanes.

Ainsi, le quatuor se produit dans des lieux ou festivals aussi variés que: le Théâtre National du Châtelet (Paris), la Ferme du Rebout (Nièvre), le Théâtre National de Nice, la Chapelle Saint-Nicolas de Plufur (Côtes-d'Armor), l'Opéra de Guangzhou (CH), la tournée du Camion d'Alimentation Culturelle (Nièvre), l'Opéra de Salerne (IT) ou le Festival d’Avignon, etc.

Il a été en résidence au Théâtre National de l’Odéon pendant cinq années (direction Olivier Py) et six années au Théâtre de l’Aquarium, Cartoucherie de Vincennes (direction François Rancillac) et artiste en résidence à la Maison de Nevers

pendant cinq ans.

Le quatuor est un ensemble conventionné Drac Bourgogne Franche-Comté.
À ce titre, il s’engage dans des opérations de médiations culturelles, concerts “hors les murs”, jeune public, public empêché, plus localement dans la Nièvre depuis 2014, date de création du Festival Les Pinces à Linges, Festival itinérant, dont ils sont les instigateurs et assure la direction artistique.

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Créé au début des années 80 par quatre étudiants du Conservatoire National Supérieur de Paris, tous premiers prix d’instrument et de musique de chambre, le Quatuor Parisii a récemment célébré son 40e anniversaire. 

La clé de voûte de son itinéraire, l’art de la recherche du son parfait combiné à la conviction que la musique doit vivre de l’intérieur, lui est léguée par son maître Maurice Crut, brillant représentant de la grande tradition franco-belge et membre du célèbre Quatuor Pascal. L’apprentissage des premières années voit cet héritage fructifier au contact des quatuors Melos, Amadeus et Lasalle pour être consacré à l’occasion des concours internationaux d’Evian et de Munich, que le Quatuor Parisii remporte en 1987. Les plus grandes séries de musique de chambre s’ouvrent alors à lui et il se produit dès lors dans plus d’une centaine de concerts par an, dans plus de 80 pays. 

Forts de leur exigence commune à la fois d’excellence et d’éclectisme, les musiciens du Quatuor Parisii déploient au fil des ans un répertoire d’une impressionnante envergure et une qualité d’interprétation rarement égalée, qui les placent sans équivoque dans la cour des plus grands. Ils attachent également beaucoup d’importance à soutenir la création et ils ont ainsi contribué à révéler nombre de compositeurs contemporains. 

Riche de plus d’une trentaine d’albums, la discographie du Quatuor Parisii se distingue - à l’image de son parcours musical - à la fois par son étendue et par la grande variété des répertoires couverts : outre les grandes intégrales (Beethoven, Brahms, Webern) données en concert, les premiers enregistrements mettent à l’honneur le répertoire français (Ibert, Roussel, Tailleferre, Pierné, Franck, Fauré) que le Quatuor Parisii s’est approprié et pour lequel sa légitimité fait l’unanimité à travers le monde. Sa discographie fait également une large place au répertoire contemporain, avec de nombreuses créations (Amy, Pesson, Canat de Chizy) et la redécouverte de pièces emblématiques du XXe siècle (Hahn, Menu, Boulez). 

Parmi les multiples récompenses à son actif (« ffff » de Télérama, « Diapason Découverte », « Choc » du Monde de la Musique, etc.) on peut citer en particulier une « Victoire de la musique » (1994) ainsi que le Grand Prix Charles Cros (2002) consacrant l’intégrale des 18 quatuors de Milhaud. 

En 2010, la discographie s’est enrichie d’un disque consacré à Chausson aux côtés de Sandrine Piau, Régis Pasquier et Philippe Bianconi.
En 2013, outre la sortie de deux disques dédiés respectivement à T. Dubois et T. Gouvy, l’enregistrement des « Litanies pour Ronchamp » de Gilbert Amy aux côtés de l’ensemble Solistes XXI, accompagnées de l’Adagio du 15e quatuor de Beethoven a reçu le « Coup de coeur » de l’académie Charles Cros, ainsi que le Prix de la Sacem décerné par l’Académie du disque lyrique. 

En 2013 toujours, l’enregistrement par le Quatuor Parisii de l’intégrale du «Livre pour quatuor» de Pierre Boulez a fait l’objet d’une réédition par Deutsche Grammophon au sein d’un coffret consacré aux œuvres complètes de ce compositeur.
En 2015 est paru le disque « Balnéaire » consacré à la musique de chambre de Laurent Lefrançois. Le disque « Cantilena » du compositeur Giuliano D’Angiolini, paru en 2016, a fait l’objet d’une critique élogieuse de Resmusica et pour l'euphonie The Guardian. 

À l’occasion de son 40e anniversaire, le Quatuor Parisii s’appuie sur ces accomplissements ainsi que sur sa curiosité et son émerveillement insatiables à l’égard de la richesse du répertoire, pour continuer à défricher et approfondir celui-ci : le projet (R)évolutions est ainsi né de l’envie et du besoin de se concentrer sur l’essentiel et l’universel en se recentrant sur un corpus d’œuvres de Haydn (opus 76), Mozart (quatuors dédiés à Haydn) et Beethoven (opus 18) constituant à la fois la source et la quintessence du répertoire pour quatuor. 
L’automne 2022 voit la création au Festival Notes d’automne d’un concert-lecture aux côtés de la comédienne Emmanuelle Devos : « Langage(s) » prend sa source dans une interview de Jean- Luc Godard pour les « Cahiers » et convoque Rilke, Hesse, etc. mais également Bach, Beethoven, Schumann, Chostakovitch et Webern.

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En 270 ans d’histoire, l’Orchestre Philharmonique de l’Oise a porté plusieurs noms.

C’est en 1987, début de son partenariat privilégié avec le Conseil départemental de l’Oise, que l’Orchestre de la Société Philharmonique de Beauvais surnommé "la Philhar", a pris le nom d’Orchestre Philharmonique de l’Oise.

La Société Philharmonique de Beauvais, créée le 16 janvier 1825, était elle-même l’héritière d’une société musicale appelée "Le Concert", fondée à Beauvais vers 1750.

Depuis ses origines et au fil des années, il a ainsi été un témoin privilégié des évolutions musicales et a donné des concerts avec de grands noms de la musique classique tels que Georges Bizet, le violoncelliste Auguste-Joseph Franchomme, ami intime de Chopin, le violoncelliste Pierre Fournier, la Harpiste Lily Laskine ou encore Vincent d’Indy.

Depuis 1987, fort de trente à quarante musiciens stagiaires et d’une douzaine de musiciens professionnels, l’Orchestre Philharmonique de l’Oise, doté d’une mission de formation des musiciens aux métiers d’orchestre, constitue un ensemble qui conjugue avec bonheur, diversité et homogénéité : diversité des parcours et des horizons, homogénéité des aspirations et de l’amour de la musique.

Thierry Pélicant qui a été son directeur musical de 1980 à 2020 lui a donné un son et une couleur qui lui sont propres.

Apprécié de son public, il est également apprécié de solistes de très haut niveau, tout particulièrement de ceux que son partenariat avec le festival de violoncelle de Beauvais lui a permis de rencontrer Pieter Wispelwey, Emmanuelle Bertrand, Philippe Muller, Raphael Walfisch, Anne Gastinel, Ophélie Gaillard, Sonia Wieder-Atherton, Edgar Moreau.

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